Wake from your sleeps!

Rock en Seine - 28 et 29 Aout 2008

2008-09-15T20:33:00.002+02:00

Il flotte comme un air de vacances prolongées dans le parc de St Cloud en ce Jeudi 28 Aout. Bonne humeur, queues interminables, bière chaude et débardeur. Bienvenue dans le plus grand camp(ing) de vacances de la région parisienne. Encore plus fort que Paris Plage, Rock en Seine !

Petite visite des lieux, on se rend compte que le prix des consommations est astronomique. Pourtant il y a plus de stands de restauration que d’étoiles dans l’univers. Curieux. On se dirige vers la scène de la Cascade pour la première attraction de la journée, These New Puritans. Grosse déception. La groupe arrive avec une bonne demi-heure de retard et ne parvient jamais à décoller. 4 musiciens…ou plutôt 3, la seule présence féminine du groupe restant cloitrée derrière son MAC. Elle faisait un pinball et répondait à ses mails diront les mauvaises langues. Le plus triste étant que ce n’était peut-être pas impossible… Heureusement que Hot Chip chauffe la grande scène avec son énergie habituelle. Seul bémol, à l’instar de son inégal deuxième album Made in the Dark , le groupe termine son set avec une bancale ballade. Dommage. Tiens une case horaire vide. Enfin pas tout à fait puisque The Do bidouille sa difforme marmelade sans sucre sur une scène de la Cascade pleine comme un œuf. Déprimant. Alors on en profite pour aller se faire dédicacer ce que l’on peut par Tricky au stand F*AC –Eh non ! Pas de pub sur l’Indie Rock Mag ! Poignée de main, félicitations pour son dernier album et sourires lorsqu’il se rend compte que l’on partage le même prénom. C’est déjà ça.

Retour à la scène de la Cascade qui fait le plein pour les Dirty Pretty Things, surement le concert le plus jeune de ces deux jours. Plus générationnel que réellement bon, Carl Barat, dont le seul mérite est au final d’avoir participé à l’aventure Libertines, et sa troupe feront danser et bouger le public comme jamais depuis le début du festival. Surprenant lorsqu’on a entendu son dernier disque franchement moisi. Défoulant.

L’heure est ensuite au rassemblement de masse sur la Grande Scène pour les Kaiser Chiefs. A la faveur d’un mouvement de foule durant la radiophonique Ruby on se retrouve au premier rang. Aucune surprise pour la suite. Un show calibré de groupe de stade mais efficace. Du déjà fait 132 fois avant eux mais on se prend au jeu. Angry Mob est repris par la foule et tous les titres provoquent l’hystérie d’un public déjà tout acquis à la cause des anglais. Rigolo.

Les choses deviennent sérieuses à 21 heures lorsque Tricky, qui n’a pas changé de tenue vestimentaire entre temps, fait son apparition au domaine national. Le petit gars de Knowle West a pris du volume et livre un show où il se donne à fond. Peut-être même un peu trop, tant est si bien que l’on a parfois l’impression qu’il joue plus pour lui que pour le public. Qu’importe. Les morceaux de Knowle West Boy sont encore plus phénoménaux en live. Council Estate est parfaite, et Puppy Toy prend une dimension incroyable. La choriste et les musiciens sont parfaits. REM peut trembler.

Car c’est ensuite autour du groupe d’Athens, Georgie, USA –tout cela est toujours aussi bizarre à écrire m’enfin bon- d’entrer en scène sur la plus grande d’entre elles. Privilège de tête d’affiche, les écrans géants –bien abimés soit dit en passant- ne font pas que retransmettrent bêtement la performance mais bénéficient d’une mise en scène qui rappelle étonnamment Radiohead. Bad Day entame les hostilités d’une foule qui a pris 25 ans en quelques heures depuis les Kaiser Chiefs. Sans grande surprise, le trio –accompagné de plusieurs musiciens studio- livre une performance sérieuse, rodée et plus que correct. On notera la beauté fracassée d’un Drive encore plus émouvant que sur disque et la clameur du public sur Imitation of Life et Losing my Religion. Mais c’est le dernier morceau du set principal, le génial It’s The End Of The World qui remportera la palme. Pas transcendant, mais très plaisant.

On revient le lendemain. C’est une performance lorsqu’on est revenu par un métro bondé où la mort par asphyxie n’était jamais loin. On savoure donc d’être encore en vie et on apprécie Louis XIV sur la grande scène. Carré, très pro devant une audience assez réceptive malgré la chaleur qui s’abat sur Paris en ce vendredi, les américains font le boulot, même si le chanteur rappelle beaucoup trop Jack White. Pour ce dernier il faudra attendre encore quelques heures.

On attend nettement plus de dérision de la part de Jamie Lidell sur la Cascade. La chaleur est accablante est l’anglais est rigolo. Problème il entame son set par une expérimentation de 20 minutes qui semblent en durer 370. Et en plus ça fait du bruit…beaucoup de bruit. Mais lorsqu’il entame l’interprétation de son dernier disque, Jim -dont on a toujours autant de mal à se dire qu’il est sorti sous Warp- le spectacle décolle. Lidell fait ressortir sa vraie nature de frontman accompagné par la batterie du non moins rigolo Mocky. Sur Little Bit Of Feel Good, Gonzales prend le piano et on se retrouve avec une paire de patronymes superbement ridicule. Ça saute, ça plaisante ("On m’a dit que cette chanson passe à la radio…on va voir si c’est vrai") et ça chante. Bref, Jamie Lidell, c’est rigolo, ça fait du bruit et c’est même parfois très bon. A la fin du concert on récupère un vinyle gracieusement distribué par le staff.

Entendu allongés depuis les transats du stand S*R, le set de The Roots parait très sérieux et le combo ose même des reprises de Sweet Child O’Mine et Immigrant Song. Pro.

On se masse ensuite pour les Raconteurs après avoir hésité avec les Black Kids se disant finalement que j’ai assez soutenu ces loosers de Jacksonville comme ça. Grosse affluence sur la grande scène. Et quand le quartet débarque au son de Consolers of the Lonely, on se retrouve une nouvelle fois dans les premiers rangs. Finalement les mouvements de foule ont du bon. Sauf que garder sa place est bien plus difficile que lors du reste des concerts. La pression est énorme et niveau ambiance le concert est fantastique. Et le plus drôle c’est qu’on ne donnait pas cher de cette performance après le plus que moyen Consolers of the Lonely . Mais pourtant les morceaux, débarrassés de leurs embarrassants cuivres, cordes et cœurs sont fantastiques. Many Shades of Black, lourd et agaçant, devient puissant et génial. Sur Steady as she Goes, seul compte le mouvement de la foule qui vibre comme une seule personne. Au milieu du set Jack White lance un timide “You’re all here for Amy Winehouse ? She won’t Come” L’audience rigole. Sauf que Jacky, lui, n’a pas l’air de rigoler. Sauf que ça on ne le sait pas. Pas encore. On commence à comprendre lorsque les hommes de Nashville remontent pour un rappel d’une demi-heure. La nouvelle tombe. Amy Winehouse ne viendra pas. Huées du public. Encore plus prévisible que le show des Kaiser Chiefs pourtant.

Tout le monde se console en réclamant Justice (oh !). La scène de la Cascade, pas habituée à une telle affluence déborde de tous les côtés. Les français jouent à un volume effrayant et on regrette bien de ne pas avoir pris de bouchons d’oreilles. Pourtant ça n’empêche pas le show d’être excellent. Caché derrière son mur de Marshall, le duo fait danser un public qui se donne à fond pour oublier. La sono pète deux fois –durant Phantom notamment, de loin le meilleur morceau du duo. Dommage- et Justice s’en va au bout d’une bonne heure sans que cette dernière ne soit totalement faite.

C’est maintenant autour de Mike Skinner et The Streets d’avoir la lourde tâche de remplacer la Wino sur la Grande Scène. L’enjeu est grand. Faire plaisir à 30 000 personnes qui ne sont pas venues pour lui. Et pourtant. Le concert est énorme. Moins intimiste qu’il aurait été sur la petite scène de l’Industrie, mais le groupe se fait plaisir. Et bien vite le public se prend au jeu, danse et chante. Mike s’en donne à cœur choix, fait sauter le public, le fait chanter et même…s’asseoir ! Il ose des millions de blagues sur Amy « Je me fous de la gueule du monde » Winehouse « As You Can see I’m not Amy Winehouse ! » ou encore « Amy ? She’s in London, she’s smoking crack ! » et fait chanter une bonne dizaine de fois le refrain de Rehab a un public joueur. Turn the Page et It’s Too Late du génial Original Pirate Material sont magiques. C’est l’extase lorsque, durant le rappel, se rapprochant de plus en plus du public, il finit par traverser la foule et finir par un slam sur une foule aux anges pour regagner la scène. Beau, honnête et superbe. "I have you and you have me" lâche t-il. Cliché, bateau mais sincère donc touchant. Tout le contraire de la présumée tête d’affiche du festival. Ce soir, Mike Skinner et son groupe a mouché tout le monde et offert le plus beau concert du festival, accompagné d’une leçon d’humilité, qu’Amy & co. ferait bien mieux de retenir. Merci.

Radiohead + Sigur Ros + The Do + The Wombats + Vampire Weekend - Main Square Festival (Arras) - le 06/07/08

2008-07-08T17:01:00.002+02:00

Au départ de Lyon, en ce dimanche matin, il pleut des cordes. Le ciel est noir et menaçant et pourtant on est heureux. Heureux car dans quelques heures Radiohead va donner après quelques mises en bouches alléchantes son seul concert en festival cette année en France. Alors dans le train qui nous ammène vers Lille, on tue le temps à coup de Amnesiac , café - hors de prix, merci la Sncf ! - au bar et Hail to the Thief .

Ce n’est qu’en débarquant en gare de Lille Europe que l’on prend conscience de l’ampleur du concert qui va se dérouler le soir même à quelque kilomètres de là. Des hordes de festivaliers déambulent dans la vieille ville et les Ter-navettes entre Lille et Arras sont combles. Pour tuer le temps son visite la très bourgeoise Arras dans un climat où attente et excitation se mêlent habilement. La ville double presque sa population le temps du festival. On se place dans la - longue ! - queue et on prend son mal en patience avant de pénétrer dans la majestueuse Grand’ Place. Ici, devant 27 000 fidèles Radiohead va jouer pour la dernière fois cette année en France.

Il est un peu plus de 16 heures 30 quand la pop surcotée de Vampire Weekend prend possession de la gigantesque scène avec pour mission d’ouvrir les hostilités. Pas aidés par un public presque amorphe et une balance exécrable, les new-yorkais ne s’en sortent finalement pas si mal, A Punk et surtout Oxford Comma font leur effet. Mais trop propre sur eux et surement pas assez volontaires, le quatuor quitte la scène au bout d’une petite demi-heure. Bancal.

Tout le contraire des liverpuldiens de The Wombats emmené par le fils caché de Robert Smith qui, après une intro délirante a capella, font faire bouger pendant 45 minutes le public qui a maintenant complètement pris place. Sur disque le trio est plat et formaté, sur scène il s’en donne à cœur joie, rigole et plaisante ("J’ai mis tout les effets de Jonny Greenwood sur ma guitare" ou encore "On est très heureux et flatté d’ouvrir pour Radiohead et Sigur Ros, j’espère que c’est pareil pour eux) avant de culminer sur leur entrainant single Let’s Dance to Joy Division. La bonne surprise de l’après-midi.

Après ça, changement de décor. La pop pour bobo du masculin féminin des franco-finlandais de The Do (merde comment on fait les "O" barré ?), accompagné d’un batteur studio envahit la scène. Olivia, pied nus, look hippie force trop sur son côté diva qui a tout pompé sur Björk et monsieur bidule truc se contente de quelques "Merci, on est très heureux d’être ici". A part peut-être le single On My Shoulders qui met un peu d’émotion dans le public, la sauce ne prend pas. Ce groupe ne veut décidément pas de moi et je le leur rend bien.

Les apéricubes digéré, les roadies prennent la scène d’assaut pour mettre en place les lumières et les ballons pour Sigur Ros, attendu comme le messie par une bonne partie du public tellement leurs apparitions sont rares et précieuses. En débarquant sur le calme et spatial Svefn-g-englar, les islandais ont déjà fait oublier les 3 heures qui viennent de s’écouler. C’est parti. On ne redescendra plus pendant une heure. Le show est d’une intensité extraordinaire. L’orchestration est incroyable, et quand le groupe est accompagné de cuivres - ce qui porte le nombre de musiciens à 13 - il devient majestueux et presque aussi nombreux que I’m From Barcelona. Les titres du dernier album prennent toute leur dimension et un Gobbledigook à couper le souffle qui se terminera dans un joyeux délires de confettis remporte la palme. Le final, extrait de ( ) , n’est pas en reste. Les hommes et femmes de glace et de feu quitte la scène sous un tonnerre d’applaudissement du public qui demande un rappel qui ne viendra pas. Mais qu’importe, pour la première fois de la soirée on a côtoyé les anges. Fantastique, élégant et (presque) détendu Sigur Ros ne faillit pas, galvanisé par l’enjeu.

La foule se resserre. La tension monte. Les néons se mettent en place. Les 27 000 personnes retiennent leur souffle. Il est 22h00 lorsque le plus grand groupe du monde arrive sur scène sur les premières mesures de l’incroyable 15 Steps. La foule hurle son bonheur. Bienvenue dans les airs. Vous ne redescendrez que 2h10 plus tard. A peine essoufflé par une tournée éreintante, le quintette livre une performance extraordinaire. Airbag, rencontre quelques problèmes de son certainement dû au décollage et Thom Yorke envoie un There There furieux à la foule qui rugit de plaisir. Ça y est. La nuit est tombé et on peut prendre la pleine mesure du jeu de lumière incroyable - et soi dit en passant pas très écolo - proposé lors de cette tournée. Le dyptique Where I End And You Begin/ A Wolf at the Door est le premier grand moment. Hail to the Thief est décidément un immense album. Homogène, intense, fluide et lucide. L'abyssal Climbing up the Walls est encore plus puissant et malfaisant que sur disque et No Surprises, d’une beauté pure et cristalline. A en crever. Simplement parfaite. Tout comme Faust Arp, jouée à la manière de la version de Scotch Mist, avec Thom et Johnny seuls sur scène, qui éclatent deux fois de rire avant d’arriver à dépasser les deux premières mesures. Là aussi c’est beau. De son côté, Jigsaw falling into place est définitivement en train de s’imposer comme l’une des pièces maitresses du groupe en live. Dément.

Ce qui frappe, c’est le décontraction dont fait maintenant preuve le groupe sur scène. Thom gesticule dans tout les sens, Ed sourit et Johnny rigole. Au début de Exit Music, autre moment fort, quelqu’un gueule du fond de la place. Laconique, Thom lance un "Ok, shut up now !" qui fait son effet. Bodysnatchers plie l’affaire dans une version hallucinante bardé de lumière rouges qui font mal aux yeux. 23h20, premier départ. Acclamations. Thom revient seul pour une version épurée de Cymbal Rush au piano ("If I could remember it"). Le temps de l’immense Paranoid Android ("Cette chanson est pour les gens aux fenêtres. We’re sorry for the noise"), on prend conscience que Radiohead a composé la chanson absolue. Le rupture centrale fait couler des larmes d’un public qui "fait la mer avec les bras" comme l’a très astucieusement fait remarquer plus tôt le bassiste des Wombats. On respire le temps du souffle démoniaque de Dollars & Cents avant de replonger sur Idiotheque splendide et intense. Deuxième sortie.

Mais alors que la cause est déjà entendue depuis longtemps, Radiohead revient à nouveau. House of Cards, toujours un peu ban(c)al fait suite à un monstrueux The National Anthem bruituiste, où Johnny s’en donne à cœur joie avec ses bidouillages éléctro. On atteint un niveau proche de l’extase. Street Spirit met un point final à 2h10 de magie. Radiohead a encore gagné. On rentre. Des étoiles plein la tête et True Love Waits, oublié de la soirée et de la tournée, au volume maximum. Les plus grands. Sans hésitation.

Playlist Sigur Ros

svefn-g-englar
sæglópur
við spilum endalaust
hoppípolla/með blóðnasir
inní mér syngur vitleysingur
hafsól
gobbledigook
popplagið

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Playlist Radiohead

15 steps
Airbag
There there
All I need
Where I End And You Begin
A wolf at the door
Nude
Pyramid song
Weird fishes
Climbing up the walls
The gloaming
Faust Arp
No surprises
Jigsaw falling into place
Reckoner
Exit music
Bodysnatchers

---

Cymbal rush
Videotape
Paranoïd android
Dollars and cents
Idioteque

---

House of cards
The national anthem
Street spirit

Boards of Canada - BOC Maxima

2008-06-18T18:38:00.003+02:00

Exhumé des fonds de tiroirs poussiéreux, BOC Maxima fait respirer comme jamais la musique du duo écossais culte. Retour aux premiers jours pour vivre cette épopée fabuleuse.

Chef d’œuvre trop méconnu dans la pléthorique discographie du groupe, BOC Maxima propose en 20 titres et un peu plus d’une heure la transition entre le label original Music70 et les grandes heures passées chez Warp. Disque inconnu du monde, si ce n’est peut-être et ce n’est même pas sûr d’une poignée d’irréductible fans, BOC Maxima est un album curieux et généreux. Sur les 20 titres aussi inquiétants que palpitants et tous grouillants de sons d’un nouveau genre, seuls 4 sont exclusifs à cet album. L’un est issu de l’album précédent, le parfois maladroit mais toujours fascinant Twoism et l’EP qui suivra, Hi Scores, en réutilisera quatre. Mais la plupart d’entre vous, pour peu que vous soyez un tant soit peu attentifs et malins, ce dont je ne doute pas étant donné que vous lisez IndieRockMag, reconnaîtront Wildlife Analysis, Boc Maxima, Roygbiv, Turquoise Hexagon Sun et One Very Important Thought issus du chef d’œuvre reconnu de Boards Of Canada, le bluffant et brillant Music Has Right To Children, premier volet de la glorieuse trilogie signée sous Warp, volet auquel succèderont Geogaddi (2002) et The Campfire Headphase (2005).

Pourtant, cet éclatement en une multitude de petites pierres, qui aurait pu faire perdre tout cohérence à l’ensemble, se retrouve, se rassemble et s’assemble tel un puzzle qui prend vie une fois reconstitué. Car BOC Maxima est un album incroyablement construit et qui respire le sobre génie abstrait et pourtant mélodique du duo comme aux plus belles heures à venir de sa carrière. La musique composée par Michael Sandison et Marcus Eoin est kaléidoscopique mais néanmoins incroyablement lisse et homogène. C’est en fait cet album à qui Boards Of Canada doit sa réputation, méritée au combien de fois, de groupe majeur.

Car c’est ici dans ces 20 titres formant une vaste et inextricable jungle pour terrain de jeu que les écossais expérimentent et mettent au point la formidable formule magique qui leur vaudra leur succès. Dans ce disque magique se synthétise la musique des premiers albums qui laisse présager cet avenir flamboyant. Abstraite, noire mais incroyablement et curieusement mélodique. Boards Of Canada prouve que sa musique ne doit pas autant à Autechre ou Aphex Twin qu’à lui-même. Dans les moments les plus accessibles (Nlogax) on se rend compte à quel point le groupe a influencé Daft Punk dont le manque de créativité, bien que des albums comme Discovery soit toujours aussi plaisants à l’écoute, crève ici les yeux. Radiohead lui-même ira piocher dans le label Warp et cet album pour son fabuleux diptyque Kid A / Amnesiac, réponse venue des années 2000 à l’Album Blanc, double album novateur foudroyant de lucidité, composé de deux albums simples.

Dans ce disque labyrinthique et d’une incroyable richesse les boucles de synthé ne tournent pas en rond, les rythmiques sont oppressantes, la musique ravage tout. L’ensemble est presque organique tellement on le sent vivant. Constamment en mouvement. On perçoit les méandres d’un angoissant univers aquatique dans Turquoise Hexagon Sun avant de s’envoler dans les airs avec l’impeccable M9. Dans les grands moments, comme dans les exceptionnels Carcan et surtout Concourse, trop court et presque pop, on sent bouger les vaporeuses nappes de synthé qui avancent sans cesse vers on ne sait où. On vibre en même temps que cette musique innovante et tellement capitale pour les années à venir.

Là où la musique de leur voisins de label d’Autechre peut parfois sembler trop austère et hors d’atteinte pour parler réellement à l’auditeur, celle de Boards Of Canada est une expérience totale qui emmène l’auditeur, ici voyageur et spectateur fasciné, dans des cimes inconnues pour ne plus jamais le relâcher. Les beats se confondent parfois avec ceux issus du hip-hop, les boucles de synthé sont mélodiques et l’ambiance est parfois plombante à défaut d’être plombée et reste ambiante et presque dansante. Le trip-hop lui aussi n’est jamais loin, Boards of Canada s’en inspirant largement depuis l’aube des années 90 tout en influençant partiellement la passionnante scène de Bristol.

Au-delà de signer ce qui se révèle vite être la pierre angulaire de sa discographie, BOC Maxima forme en 64 minutes ce qui forme, avec peut-être les sus-nommés d’Autechre et Massive Attack et leurs Tri Repetae et Mezzanine, les bases de la musique moderne dont l’influence ira bien au-delà des frontières de l’électro-ambient. BOC Maxima est sans conteste l’album le plus passionnant de la discographie du sobre et génial duo écossais. Sa musique n’est jamais aussi cohérente et indivisible que dans ce disque magique qui n’a pas fini de vous hanter en tant qu’auditeur mais aussi en tant que collectionneur, la recherche du sésame étant particulièrement ardue. Prions juste pour que quelqu’un quelque part se réveille et réédite cette merveille...

Mes 100 disques à moi

2008-06-08T14:57:00.002+02:00

Attention! Ce classement ne revendique...rien du tout. Aucune objectivité, aucun intérêt évident. C'est juste une formidable démonstration de mon égocentrisme et de mon narcissisme. Mes 100 disques préférés de tout les temps. Des disques qui m'appartiennent et qui pour des raisons musicales ou personnelles ont comptés dans ma vie.

Bref, enjoy!

1. Radiohead - Ok Computer - 1997
2. Pink Floyd - Meddle - 1971
3. The Strokes - Is This It? - 2001
4. Lou Reed - Berlin - 1973
5. Blur - Think Tank - 2003
6. The Beatles - Revolver - 1966
7. Pink Floyd - The Dark Side of The Moon - 1973
8. Belle & Sebastian - If you're Feeling Sinister - 1996
9. Neil Young - On the Beach - 1974
10. Yo la Tengo - And Then Nothing Turned Itself Inside-Out - 2000

11. Radiohead - Kid A - 2000
12. The Smith - The Queen is Dead - 1986
13. Television - Marquee Moon - 1977
14. Air - Moon Safari - 1998
15. Portishead - Dummy - 1994
16. Pixies - Surfer Rosa - 1988
17. Godspeed You! Black Emperor - Xanqui U.X.O - 2002
18. Lou Reed - Coney Island Baby - 1976
19. REM - Automatic for the People - 1992
20. My Bloody Valentine - Loveless - 1991

21. The Rolling Stones - Exile on Main St - 1972
22. Sparklehorse - It's A Wonderful Life - 2001
23. Explosions in the Sky - How Strange, Innocence - 2005
24. The Velvet Underground - The Velvet Underground & Nico - 1967
25. The Clash - London Calling - 1979
26. Neil Young - Tonight's the Night - 1975
27. The Libertines - Up the Bracket - 2002
28. Air - 10.000 Hz Legend - 2001
29. Joy Division - Closer - 1980
30. Pink Floyd - Wish You Were Here - 1975

31. Sigur Ros - Agaetis Byrjun - 1999
32. Belle & Sebastian - Dear Catastrophe Waitress - 2003
33. Radiohead - In Rainbows - 2007
34. Sonic Youth - Daydream Nation - 1988
35. The Beatles - Sgt Pepper Lonely Hearth Club Band - 1967
36. David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust (And the Spiders From Mars) - 1972
37. Nick Drake - Pink Moon - 1972
38. Love - Forever Changes - 1967
39. Capitain Beefhearth - Trout Mask Replica - 1969
40. Radiohead - Hail to the Thief - 2003

41. The Beach Boys - Pet Sounds - 1966
42. Magazine - Real Life - 1978
43. The Coral - Roots & Echoes - 2007
44. Nirvana - Nevermind - 1991
45. Weezer - Pinkerton - 1995
46. Mark Lanegan - I'll Take Care of You - 1999
47. The Strokes - Room on Fire - 2003
48. Wire - Pink Flag - 1977
49. PJ Harvey - White Chalk - 2007
50. Goldfrapp - Felt Mountain - 2000

51. Massive Attack - Mezzanine - 1998
52. The Stooges - Fun House - 1970
53. Lou Reed - Transformers - 1972
54. The Notwist - Neon Golden - 2002
55. The Who - Who's Next? - 1971
56. Oasis - Waht's the Story? (Morning Glory) - 1995
57. Bob Dylan - Blonde on Blonde - 1966
58. The Smiths - Strangeways Here We Come - 1987
59. Sigur Ros - ( ) - 2002
60. Tortoise - TNT - 1998

61. Cat Power - Moon Pix - 1998
62. New York Dolls - New York Dolls - 1973
63. Yo La Tengo - I Can Hear the Hearth Beating As One - 1997
64. The White Stripes - Elephant - 2003
65. Why? - Alopecia - 2008
66. Nick Cave - From Her to Eternity - 1984
67. My Morning Jacket - Z - 2005
68. Boards of Canada - BOC Maxima - 1996
69. The Smashing Pumpkins - Adore - 1998
70. Radiohead - Amnesiac - 2001

71. The Stones Roses - The Stone Roses - 1989
72. King Crimson - In the Court Of - 1969
73. Sparklehorse - Dreamt for the Years in a Belly of a Mountain - 2006
74. Of Montreal - Hissing Fauna, Are You the Destroyer? - 2007
75. Sly and the Family Stone - There's a Riot Going On - 1971
76. David Bowie - Low - 1977
77. Electrelane - Rock it to the Moon - 2005
78. Tom Waits - Sworfishtrombones - 1983
79. Beck - Sea Change - 2002
80. Autechre - Tri Repetae - 1995

81. The Ramones - End of the Century - 1980
82. dEUS - The Ideal Crash - 1999
83. Queen of the Stone Age - Songs for the Deaf - 2002
84. The Pretty Things - SF Sorrow - 1968/1969
85. Björk - Vespertine - 2001
86. Tv on the Radio - Return to Cookie Mountain - 2006
87. Blonde Redhead - Misery is a Butterfly - 2004
88. Marvin Gaye - What's Going On - 1971
89. The Brian Jonestown Massacre - Methodrone - 1994
90. Ride - Nowhere - 1990

91. John Coltrane - A Love Supreme - 1965
92. The Good, The Bad & The Queen - The Good, The Bad & The Queen - 2007
93. Pavement - Wowee Zowee - 1995
94. Jimi Hendrix - Electric Ladyland - 1968
95. The Sex Pistols - Nevermind the Bollocks - 1977
96. Thom Yorke - The Eraser - 2006
97. Pixies - Doolittle - 1989
98. Johny Cash - Live in San Quentin - 1969
99. The Chemical Brothers - Surrender - 1999
100. MGMT - Oracular Spectacular - 2008

My Morning Jacket - Evil Urges

2008-06-06T15:19:00.001+02:00

Que reste-t-il lorsque l’on est l’auteur de Z , chef d’œuvre atemporel paru en 2005 ? Comment survivre à cette brillante immortalisation des grands espaces américains ? Prairie remplie d’espace, d’air et de temps où, au coucher du soleil, Neil Young rencontrait Matt Elliott et Sparklehorse au coin d’un feu. Car il est bien question de cela. De survie. Survivre à un tel choc telle est la mission épineuse et gigantesque à laquelle s’attaque My Morning Jacket avec son nouveau-né Evil Urges.

Ils sont combien ? Combien à avoir coulé après un chef d’œuvre. Tellement. Television et son Marquee Moon, My Bloody Valentine et son Loveless, Oasis et son What’s the Story ? ( Morning Glory) pour ne citer qu’eux. Au moment où résonnent pour la première fois dans nos oreilles les premières mesures d’ Evil Urges, on a de quoi être inquiet. On a tellement vibré et aimé son magnifique prédécesseur que l’on a envie que les 5 du Kentucky se relèvent. Pourtant l’entrée en matière a tout pour faire fuir. Un premier single éponyme tellement étrange que l’on s’est demandé, lorsqu’il est arrivé à la rédaction d’IndieRockMag, s’il ne s’agissait pas d’une erreur. Des rythmes funky et une voix haut perchée qui rappelle Prince (!).

Est-ce là un moyen de dérouter et de détourner les auditeurs sceptiques afin de laisser les charmes d’ Evil Urges ne s’ouvrir qu’aux plus méritants ? En plage 3, l’horrible Highly Suspicious fait définitivement fuir les plus frêles. Pourtant... pourtant le miracle va commencer.

Quelque part on se doutait bien que le groupe allait se relever et nous entrainer à nouveau dans une contemplation du temps tranquille et paisible où l’on n’aurait qu’à se faire guider. Il ne sera pas exactement question de cela. Car Evil Urges est plus complexe et perfide que pouvaient l’être un Z ou un Tennessee Fire. Il est un aller-retour permanent entre échappées bucoliques et oppressantes atmosphères urbaines. Ces changements, ces mouvements permanents fascinent, entrainent, rendent cet album passionnant et nébuleux. Ils obligent l’auditeur à une attention constante. C’est ce changement qui est le plus notable dans ce disque en agitation perpétuelle. Après les grands espaces, My Morning Jacket nous fait découvrir une autre facette des États-Unis que malgré tout ses excès, ils admirent encore tant. Plus éclatée, à la fois urbaine et pastorale.

Mais les répits accordés, les fuites vers le calme et l’inconnu sont d’une beauté si pure qu’ils en semblent presque effrayants ou tout du moins irréels. Plus clairs et presque débarrassés de cette reverb’ dont on avait parfois l’impression qu’elle cachait quelques carences. Ces quelques doutes sont balayés. Comme une évidence. Les ballades sont nues, limpides (Sec Walkin’, Look At You). Les morceaux s’enchainent de façon tellement limpide que cela en devient presque trouble. Malgré ces changements d’ambiance, l’ensemble est incroyablement cohérent. On est constamment en trajet. Entre la bucolique campagne et une ville qui nous est inconnue. Une Ville, la ville. Dense et oppressante, que l’on cherche à fuir sans cesse. Où règnent trafic et pollution.

Les échappées sont vitales. Ces fugaces escapades dont on voudrait qu’elles ne s’arrêtent jamais. Ces après-midis de calme passées à contempler le silence. Alors qu’on était toujours rattrapé à un moment ou à un autre, à partir de Smokin’ For Shootin’ qui fait suite au tendu, enlevé et réussi Remnants, on fuit pour tout oublier. On entend une dernière fois ce qui semble ressembler à de stridentes sirènes de police qui font place au vent. Et cette fois-ci est la bonne. On s’oublie, on se vide. Les évanescents répits passés vont maintenant pouvoir s’éterniser.

Good Intentions et ses 8 secondes permettent de reprendre son souffle après cette course effrénée contre cette suffocante atmosphère urbaine.

En ce mois de juin qui devait s’annoncer calme, les américains de My Morning Jacket viennent d’envoyer un signal fort. Oui, on peut survivre à un chef d’œuvre. C’est même une nouvelle carrière qui commencent pour eux. Oubliez son glorieux ainé pour avancer. Evil Urges a tout d’une renaissance. Sublime et idéale. Peut-être juste un ton en dessous de Z. Ou tout simplement différent. Y donc. C’est parfait.

Xiu Xiu - Women As Lovers

2008-05-27T23:59:00.005+02:00

Quand on a appris que Xiu Xiu publiait en ce début d’année un nouvel album, on n’a pas sauté comme des fous sur les murs avec un déguisement de lapin rose. Et même pour être honnête, on ne savait même pas que le collectif californien avait sorti l’un des albums les plus passionnants de cette année 2008.

On en attendait forcément un. Un album qui une bonne fois pour toutes nous ferait ranger au placard les palpitants Strawberry Jam et Personnal Pitch d’Animal Collective et de Panda Bear paru l’an dernier. On a presque commencé a désespérer lorsque soudain, en ce mois de mai plus calme que les derniers, on a eu la bonne idée de revenir en arrière pour se pencher sur ce disque à la pochette aussi superbe qu’énigmatique.

En auditeur conquis bien que suivant de plus ou moins loin les réalisations de Chou Chou, puisque cela doit se prononcer ainsi, il me semble avoir écouté au moins une fois chacun des captivants albums de la bande à Jamie Stewart. Captivants mais tous plus ou moins difficiles d’accès même si The Air Force en 2006 ouvrait déjà la voie a des morceaux plus évidents. Car malgré toutes leur trésors cachés, passer un disque de Xiu Xiu n’était pas forcément le premier réflexe que l’on pouvait avoir au saut du lit. Le moins que l’on puisse dire c’est que Women As Lovers comble cette lacune qui n’en était pas forcément une. Pour la première fois, on est conquis dès les premières secondes. Plus accessibles, les compositions restent toujours aussi foisonnantes de sons, exaltantes et complexes. Car même si la sortie est plus évidente à trouver que par le passé, le labyrinthe formé par les 14 pièces de Women As Lovers n’en est pas moins sibyllin, brumeux, fascinant et riche en surprise.

L’ambiance tendue, presque écrasante fait immédiatement penser à Why ?, génial fer de lance du label Anticon. Le livret, gentillement fourni avec l’album ne fait que parfaitement confirmer ces adjectifs. Il illustre parfaitement l’ambiance malsaine qu’il règne dans cette jungle inextricable. Une série de clichés de femmes soumises à des séances de tortures. Charmant. Comme toujours avec Xiu Xiu le classieux esthétisme de l’ensemble évite le "voyeurisme TF1". En plus de cela, il permet de mettre en lumière tout les tourments de la vie de Jamie Stewart. Arrivé à ce stade on le comprends clairement. Women As Lovers , n’est pas un charmant voyage dans un monde multicolore où l’on passera des journées à manger des chocapics en regardant des arc-en-ciel. Bon.

Mais si il ne respire pas la joie de vire, cet album a d’autres arguments à faire valoir. A commencer par la voix qui est la raison essentielle de l’admiration que beaucoup portent à ce groupe. Fragile une seconde, colérique celle d’après. Parfois triste ou désespérée mais invariablement agitée. A part ce premier extrait I Do What I Want When I Want et son zoli saxo un peu facile, on ne voit rien de bien enjoué dans cette ballade fantasmagorique ou effrayante au cœur de l’univers d’un des groupes les plus singuliers de la scène actuelle. Décrire ce que l’on ressent à l’écoute de ces ambiances feutrées et plombées serait une vaine expérience. On ne sait nous même plus trop. Car c’est l’auditeur lui-même qui se doit de découvrir cet oppressant monde dessiné par Jamie et ses compagnons. On se perd petit à petit, on se fond dans ces mouvances élégantes d’une sombre beauté.

Aucune fausse note si l’on omet, peut-être, cette reprise d’Under Pressure qui malgré tout ce qu’elle peut avoir d’agaçante n’est même pas si désagréable que ça. Sinon tout est fascinant. Comme à chaque fois. Une œuvre à part profondément singulière et ancrée dans notre époque de part ses thèmes modernes et dérangeants. L’horreur de Guantanamo, les enfants soldats ou encore l’homosexualité. On découvre au fil des pistes la vraie personnalité du personnage. Au bout des 14 titres, un constat s’impose. Jamie Stewart est l’un des songwritters majeurs de la scène américaine.

Le disque de Xiu Xiu est une nouvelle fois sorti dans une relative anonymat. Et après tout ce n’est peut-être pas plus mal. Xiu Xiu continuera quand même son bonhomme de chemin dans l’obscurité et la pénombre. Car, c’est bien connu, Jamie Stewart se brule comme un papillon au contact de la lumière. Alors, surtout ne vous ruez pas dans rayons pesant tomber sur la parle rare. Surtout n’essayez pas de combler vos lacunes. Surtout n’essayez pas d’écouter ce disque sur la foi de cette chronique ou d’une autre. Car ce disque ne changera pas vos vies. Ce disque n’est en rien le disque du siècle. Là n’est pas son ambition. C’est juste un livre fascinant qui s’ouvrira à qui sait s’y prendre. Avec le temps, une bonne gueule de bois et quelques larmes. Seulement.

The Brian Jonestown Massacre - My Bloody Underground

2008-05-20T16:00:00.001+02:00

Chroniquer My Bloody Undergound, 12e disque du Brian Jonestown Massacre est une vraie épreuve. Le dernier né de la bande à Anton Newcombe, savant fou illuminé du rock, est un vrai chemin de croix. Un disque raté comme pas deux, sans queue ni tête. Mais pourtant et comme à chaque fois, le voyage est nécessaire. Prêt pour le grand saut ?

Il y eut de tout temps des disques que l’on qualifia de White Light/ White Heat moderne. Aucun ne méritait réellement ce qualificatif. Jusqu’à My Bloody Underground. C’est sans nul doute le disque le plus mal enregistré de l’histoire. A peine si le Metal Music Machine de Lou Reed arrive à l’égratigner. Des instruments désaccordés. Des couplets sans aucun sens. Des larcens de guitares mal contrôlés. Tout ce bordel forme un brouhaha indescriptible. Un mur du son impénétrable que l’on ne peut que regarder. Sans comprendre. On savait déjà qu’Anton Newcombe n’était pas quelqu’un à la personnalité très équilibrée. Mais l’homme a déménagé. Exilé en Islande, terre de Björk ou Sigur Rós, dans ce pays de feu et de glace, coupé du monde, sans rien, il va encore plus mal.

Anton. Le roi du sabotage médiatique. L’homme à qui les journalistes qui sont arrivés à tirer une interview cohérente sont décorés de la légion d’honneur. Un corps présent sur Terre, mais un esprit qui a depuis bien longtemps pris la fuite. Un personnage singulier. Que seul Lester Bangs s’il était encore là aurait peut-être compris. Un homme qui peut être froid et terrifiant une seconde. Puis vous tomber dans les bras celle d’après. Un roc que même l’alcool, la drogue ou le temps n’affectent pas. Un illuminé qui a donc pondu des disques. Excellents même parfois. Puis il y a celui-ci aussi. L’apologie du bruit ou du néant. Au choix.

Une expérience. Une vraie. Ce disque est dingue. Un poison. A faire passer The Warlocks ou Joy Division pour de joyeux fêtards. Vide. Ni mélodie. Ni mixage. Ni production. La voix pleure. S’entend à peine. Rien. Une plongée dans les méandres de l’esprit du musicien le plus fou de ces 15 dernières années. Une chute libre qui n’en finit plus. Voilà maintenant prévenu l’auditeur qui voudrait s’attaquer à ce singulier opus. Car le voyage n’est pas donné à tout le monde. Il y aura deux catégories de personnes. Ceux qui iront jusqu’au bout et les autres. Pour les premiers, cet enfer aussi gigantesque qu’impénétrable sera une expérience unique. Une odyssée puant le bad-trip à plein nez. Une expédition au cœur du vide dans laquelle ils se jetteront sans cordes ni filet. Les autres, eux, quitteront le navire dès la première plage, effrayés par cette montagne qui se dresse devant eux, orageuse et noire. Comme ils ont bien fait.

Car ici rien ne transparait de cette masse difforme qui avance sans que l’on n’y puisse rien. Rien. Rien. Ou si peu. Une ballade au piano toute en fausses notes et une chanson au titre imprononçable (Ljosmyndir). Sinon le néant absolu. My Bloody Underground est sans conteste un gigantesque manqué. Il n’en est pas pour autant inerte ou sans intérêt. Il est même passionnant. On rentre dans la tête d’un génie fou à lier que l’alcool, la solitude, la folie ou peut-être même tout cela à la fois a poussé à la dérive. Ce disque est peut être un appel au secours, caché sous ses Himalayas de distorsions et ses Fosses des Mariannes du vide.

Car cet album est inquiétant. Oppressant. Il ressemble à un manoir abandonné depuis des années. On y entre sur la pointe des pieds. La peur au ventre. Mais on n’en sort pas. Trop attiré par ce naufrage. On écarte les planches de bois brisées et la crasse qui s’est empilée comme les couches d’instruments. Car ici tout n’est que poussière. Newcombe jubile. Il sent que la victoire sur l’auditeur piégé comme une fourmi dans une toile, se rapproche à chaque pas que l’on effectue. Puis, quand à la suite d’une glissade maladroite, qui traduit naïvement notre angoisse, on tombe, c’est pour ne plus jamais se relever. Blackout. Le noir nous entoure. On ne voit plus rien. La rythmique joue plus vite. Plus fort. Dans cette chute, cet oubli vers nulle part et partout ailleurs, le vide n’a jamais paru aussi dense. On est attiré dans un Trou Noir. 10 minutes de Black Hole Symphony. Tout se perd. Où sont le haut, le bas ? De l’air ! De l’air ! On suffoque.

C’est terminé. Terminé. Enfin. Calme.

Comme par miracle, nos quelques sens restant reviennent. Miracle. Comme ce disque d’outre-tombe d’un homme déjà mort depuis longtemps. Parvenue à nous alors que l’on pensait qu’il ne restait plus rien, la lumière. Enfin. On ne sait d’où elle arrive mais on court vers elle. Dans un dernier effort qui sonne comme un chant du cygne, Newcombe tente de nous accrocher la jambe. En vain. On se réveille en sueur. Haletant. Le disque est terminé. Non c’est plus que le disque. On vient de vivre la mort du Roi. Rien ne sera plus jamais comme avant.

Et quand on repose la pochette dans la discothèque pensant que tout est terminé, on entend un dernier cri. On aperçoit un sourire narquois et démoniaque. On hurle. Le noir se fait de nouveau. Et tout repart.

The Strokes - First Impressions of Earth

2008-05-15T23:39:00.006+02:00

Et si c'était finalement celui-ci. Le vrai disque gueule de bois des 5 de New-York. L'idée généralement reçue est qu'il s'agirrait de Room on Fire. Disque urbain. Oppressant et singulièrement représentatif de la "Grosse Pomme". Disque torturé et mal-aimé, comparé injustement à une vulgaire redit sans charme d'un premier opus, Is This It?, presque trop beau. Disque gueule de bois fut d'ailleurs le seul terme juste employé à l'époque pour décrire cette ballade nocturne et blafarde dans la nuit de NewYork, entre l'agitation de Time Square et la contemplation du silence sous le ciel étoilé de Central Park.

Et pourtant. Le stress. L’angoisse. Le futur et toutes les incertitudes qu’il comporte. Les thèmes dominants de First Impressions of Earth , troisième opus des Strokes, lui permettent sans mal d’accèder lui aussi à ce titre absolument pas réducteur. Le quintet a pourtant évolué de manière spectaculaire entre 2003 et 2006. D’un point de vue musical en tout cas. Malgré tout l’ambiance arrive à rester la même. L’univers perdure. Et puis, cet album est presque un miracle. Les Strokes ont en si peu de temps frôlé déjà tellement de fois la sortie de route. De fin 2001 à 2004, un tunnel. Les Strokes découvraient le succès, son ivresse et ses revers. Un premier opus plein d’espoir et chatoyant, adulé de tous. Suivit d’un second cynique, plus froid, parfois maladroit mais superbement touchant et inutilement rabaissé par la critique. Le parcours d’un groupe de rock classique a qui tout a souri. Trop. Trop vite. Le fameux Too Much, Too Soon des New York Dolls.

Ce troisième album était donc une sorte de retour des enfers. Un come-back venu de nulle part d’un groupe que tout le monde pensait détruit. Un miracle, certes. Mais pas pour autant un retour en grâce. La faute au critiques. Encore une fois. Et, chose nouvelle à une partie de son public. Et pour cause, First Impressions of Earth n’est pas un disque facile. C’est un album encore plus torturé que le précédent. Anxieux. Moderne dans les thèmes qu’il aborde. Un vrai disque gueule de bois. Voilà c’est exactement cela.

Oh, tout le monde est d’accord sur une chose. Casablancas, Moretti, Fraiture, Valensi et Hammond Jr ont muri. Et le premier des 5 prend une place de plus en plus importante au sein du collectif au point qu’Albert Hammond aille prendre l’air en solo pour nos refourguer ses charmantes compositions bucoliques et rêveuses ( Yours to Keep en 2006). Le son est érigé en symbole de ce changement. Seul le sublime Electricityscape garde les traces de ce son électronique présent sur 12:51 ou The End has no End. Partout ailleurs il est plus dur. Et pour la première fois, produit. Oh, sacrilège impardonnable pour certains. Moins évident de prime mais tellement plus profond. Un poison insidieux et perfide laissant son œuvre agir avec le temps. Tout en douceur. Oh, pourtant tout commençait bien. You Only Live Once est même plutôt porteur d’espoir. Presque un hymne à la vie. Oh, oui jusque là tout allait bien.

Souvenez quand en 2001, une poignée de groupes qui formaient la partie émergée de l’iceberg donnèrent un coup de fouet à toute une génération. Tous en The. Strokes, Libertines, White Stripes, Kills, Vines. Ces groupes qui laissèrent quelques albums d’anthologie. Is This It ? , Up the Bracket , Elephant , Highly Envolved et Keep on your Man Side . Peut-être pas capital d’un point de vu musical. Mais plus sur le point de vue de l’influence. Toute une génération a vécu avec. Comme les précédentes l’ont fait avec Nirvana, les Smiths, Joy Division, les Stones ou les Beatles. Ces 5 groupes avaient la bonne dégaine, étaient là au bon moment. Puis, un jeu de massacre. Les uns ont splitté ou sombré avec un leader mégalo à leur tête pendant que les autres prirent d’autres chemins ou furent tout bonnement oubliés. Au milieu de cela les Strokes donc.

First Impressions of Earth est un album qui fait évoluer fondamentalement la musique des new-yorkais. Alors forcément, c’est un album qui divise. Pour certains un chef d’œuvre. Le meilleur de tous. Pour les autres, un accident. Ou alors la preuve que les Strokes ne valait plus rien. Oh, bien sûr, il possède ses mauvais côtés. Un effet rétro/slash/métal chiant sur la guitare de Valensi. Les guitares et les solos sont peut-être le point le plus discutable de l’album. Celui du, pourtant magnifique, Ize of the World et surtout celui de Vision of Division sont une catastrophe. Pour la première fois aussi, il a de mauvais titres. Oh, bien sûr il y avait déjà quelques titres passables sur les deux précédents albums (Soma, The Way It Is) il y en a ici aussi beaucoup plus. 14 titres dont au moins deux ou trois sont dispensables. La ballade anxieuse et somnambule Killing Lies, pourtant très représentative d’un album insomniaque, qui ne parvient jamais a réellement à décoller. Ou le trop gentil Evening Sun co-écrit par Fabrizio Moretti. Mais c’est aussi ça les années 2000. La nonchalance. L’imperfection. Mais une imperfection empli de charme.

L’album des années 2000. N’en déplaise à certains. Pas seulement et même pas du tout d’un point vue musical. Car First Impressions of Earth est loin d’être parfait. Ce disque est juste si important. Si je vous ai déblatéré tout ça sur les années 2000 tout à l’heure c’est pour comprendre cela. First Impressions of Earth raconte cela : Les années 2000. En porte tout les symptômes. Les Strokes tombent à leur tour dans cette mode qui consiste à balancer tout ses singles au début de l’album. On retrouve donc les 3 singles en plage 1,2 et 3. Moderne également dans ses ventes. A peine plus d’un million, les plus mauvaises du groupe. Ceci est paradoxal alors que les places de la tournée ne se sont jamais aussi bien vendu. Un reflet de l’industrie du disque actuel. First Impressions of Earth traduit notre époque jusqu’au bout.

Mais il ne dépeint pas cette angoissante décénnie d’un point de vue exclusivement musical. Il exprime les craintes de cette jeunesse. Ses peurs et ses espoirs. Ses dérives et ses abus. Raconte ses problèmes. Cette histoire d’amour qui finit mal dans Razorblade. Un thème récurrent chez Casablancas. 14 complaintes qui forment un tout. Comme sur Room on Fire , on retrouve une vraie évolution. Des morceaux qui deviennent de plus en plus anxieux et nihiliste après les 3 singles inauguraux. Un disque qui culmine plusieurs fois. Sur Fear of Sleep. Ce cri déchirant. Un appel au secours angoissant et terrifiant. Au point d’en perdre à son tour le sommeil. Et sur On the Other Side, ce titre presque autobiographique et ce couplet qui fait mal "I hate them all, I hate them all/ I hate myself for hating them/ So drink some more/ I’ll love them all/ I’ll drink even more/ I’ll hate them even more than I did before". Ces moments de réconfort, faisant part de la solitude de Casablancas nous rapproche. C’est ce qui reste quand on a tout perdu.

Tout cela prend tout son sens, se rassemble et se synthétise dans le titre de l’album. Un titre exceptionnel d’ailleurs. Génial. First Impressions of Earth . On leur demande à tour de bras en interview la signification. Sourires. Mystère. A chaque fois. On l’interprète comme on le veut alors. Comme un reflet de ce que verrai quelqu’un qui viendrait de prendre pied sur la Planète Bleue. Un tableau noir. Qui ne donne qu’une envie. Repartir. Fuir. S’échapper.

Les textes sont les plus aboutis et prennent pour la première fois le pas sur les imparables mélodies. Ces fameuses mélodies. Qui tranchent tant avec les textes. Les chansons ont le gout d’un baiser. Mais un baiser amer. On voit un Julian Casablancas au sommet. Ize of the World est peut-être sa chanson la plus aboutie, les paroles sont géniales, subtiles et noires. A l’instar de ce Red Light où Casablancas parlent de cette génération qui n’a "rien à dire". Puis parfois on atteint à nouveau les sommets de l’absurde telle qu’on les trouvaient sur Automatic Stop. Ses paroles impénétrables et troubles. Comme dans cet appel à l’aide lancinant joué à l’aide du seul mélotron. Ask Me Anything. Un modèle du genre. "Don’t be a coconut/ God is trying to talk to you". Allez comprendre.

Avec ses moments de grâces, ses défauts, ses qualités et ses textes noirs, terrifiants, incisifs, corrosifs même. Son comportement moderne jusqu’au bout. First Impressions of Earth est belle et bien LA bande-son de ces angoissantes années 2000. Un album faisant le point sur cette décénnie décidément curieuse. Tout l'intérêt d'écrire en 2008 sur First Impressions of Earth réside là. Il faut comprendre. Ce disque capital. Le cri d’une génération.

The Raconteurs - Consolers of the Lonely

2008-04-29T13:43:00.004+02:00

Jack White s'est-il perdu dans la riante campagne ricaine?

Il arrive tout les jours de ces albums qui ne met personne d’accord. Le nouvel album de la bande emmenée par Jack White et Brendan Benson est de cela. Il en fut de même pour le dernier album des rayures blanches, autre groupe de Jack White quand il ne part pas parcourir l’Amérique profonde accompagné de ses potes de toujours. Icky Thump tombé l’an dernier, ouvrait à la manière de Get Me Behind Satan en 2005, une nouvelle voie aux White Stripes . Mais voilà exactement à la manière de ce dernier, un bon nombre de fans sortirent du voyage quelque peu déroutés. Les envolées celtiques et presque lyriques de San Andrews ont quelques peu divisé la communauté secrète du groupe de Détroit, groupuscule se réunissant 3 fois par semaine au bois de Savigny/Orge.

Blague à part, il faut dire que cela risque bien de se passer exactement comme cela pour ce Consolers of the Lonely . Passons outre la sortie en forme de pétard mouillé qui se voulait novatrice , car finalement cela n’a pas eu le retentissement attendu. Bref, personne n’en a jamais rien eu à cirer car The Raconteurs n’est pas Radiohead. Il y avait une question en suspens. Jack White allait-il continuer sur la voie de Icky Thump ou retourner à des fondamentaux plus terre à terre ? Les deux premiers titres sont excellents. L’éponyme et le single Salute your Solution. Ça explose, les guitares attaquent. On est heureux comme des gamins. L’intro rêvé.Mais c’est après que ça se gate. Dès la plage 3. You don’t Understand Me. Effectivement. On ne voit pas trop où il veut en venir. Morceau en mid-tempo avec des chœurs agaçant au possible. Accident de parcours se dit-on. On commence réellement à paniquer quand les instruments celtiques arrivent. Là où ils sublimaient les mélodies dans Icky Thump , ils les rendent inertes dans Consolers of the Lonely . C’est tout juste si le timbre de Jack White parvient à rattraper l’ensemble.

C’est en train de devenir une évidence. Jack White ne fait des disques que pour lui. Il invite ses potes et c’est parti pour une jam session qui dure toute la nuit. C’est surement très sympathique dans son canapé avec une bouteille de Jack Daniels à la main. Mais une fois cela posé sur disque on n’en voit plus trop l’intérêt. L’ensemble sonne daté. Désespérément. Il y a bien des morceaux qui rattrapent le tout. Comme ce superbe Carolina Drama en conclusion ou l’incisif Hold Up qui part à 200 à l’heure pour ne plus jamais se laisser rattraper. Sinon tout n'est que sympathique (Many Shades of Black) ou agaçant. A m'instar des cuivres indigestes et lourds comme sur The Switch & The Spurs qui font oublier tout ces bons moments. C’est bien dommage.

On cherche en vain le vain le Jack White flamboyant de White Blood Cells et Elephant . Le brouillard nous fait perdre notre chemin. On s’égare. On pleure. Where are you Jacky ?

1. Consoler of the Lonely
2. Salute Your Solution
3. You Don’t Understand Me
4. Old Enough
5. The Switch and the Spur
6. Hold Up
7. Top Yourself
8. Many Shades of Black
9. Five on the Five
10. Attention
11. Pull This Blanket Off
12. Rich Kid Blues
13. These Stones Will Shout
14. Carolina Drama

MGMT - Oracular Spectacular

2008-04-24T01:04:00.000+02:00

Qui à la vue de cette pochette absolument hideuse a eu envie d'en savoir plus sur les MGMT, nouvelle sensation de la scène psychédélique new-yorkaise? Qui n'a pas tenté de fuir à la vue de leur look totalement trash et rétro? Soyons honnête, pas grand monde. L'auteur de ces lignes le premier. Mais les rumeurs parlant d'un album cyclonique, complètement dingue et barré m'ont convaincu. Mais à vrai dire les dès étaient pipés à l'avance. On entre. Une question en suspens. MGMT résistera t-il à la hype?

On est débarqué sur Time to Pretend. Titre fiévreux. Intense. Malade. Avec un évident penchant schizophrène. Premier single fabuleux. Aidé par un clip à qui tout ces adjectifs conviennent à merveille. Finalement on a peut-être bien fait d'entrer dans ce délire carrément givré. Club un brin enfumé où la décadence freak Of Montreal croise les délires haut perchés dans le ciel Tv on the Radio au détour d'un couloir en spirale. Mais, pour tenter de comprendre comment l'album le plus joyeusement barré de 2008 a pu voir le jour, il faut revenir à l'origine, au background. Là se situe l'essence même du duo. A la base MGMT, c'est Andrew Vanwyngarden et Ben Goldwasser qui se rencontre dès 2002 dans l'université de Middletown, Connecticut. L'histoire de MGMT est à l'image de leur musique. Moderne. Profondément ancrée dans ce début de millénaire. S'en suit une série de concerts où l'on imagine très bien l'ambiance Sex, Drugs & Rock'n'Roll, à travers l'Amérique profonde et puritaine où les new-yorkais, on l'imagine sans peine, ont du faire pas mal de boucan.

Remplie d'influences diverses, la musique de MGMT est pourtant unique et nouvelle. Le minimalisme new wave de Suicide et l'univers labyrinthique de Why? font émerger un fantastique melting pot musical résolument tubesque quelque part entre les expérimentations sonores d'Animal Collective et l'éléctro pop de Klaxons. Moderne. Je l'ai déjà dit je le répète. Pourtant très clairement hanté par le psychédélisme typiquement 60's, aucun qualificatif ne décrit mieux ce délire hystérique qu'aurait pu atteindre Bloc Party avec plus de dérision et sans ce côté rock des stades agaçant. On ne peut s'empêcher de chercher la formule magique de cette musique entêtante agissant comme un drogue d'un nouveau genre.

Les drogues sont d'ailleurs surement l'aspect le plus important chez MGMT. Elles sont partout. Pourtant, on ne les voient pas. Elle passent. Et ne laissent qu'un troublant souvenir. On les croisent dès l'entrée. On aperçois David Bowie assommé, shooté dans un sofa, se disant surement qu'il peut se retirer tranquillement. Enregistré sous hélium à 3 heures du matin, ces 10 brulots absolument jouissifs sont caractéristiques de notre société de l'instantané. Dans 5 ans, MGMT ne sera surement plus qu'un souvenir heureux qu'on se remettra en tête avec amusement en dansant sur les nouveaux "génies" intronisés "maitres du monde" par Pitchfork ou le NME.

Pourtant ses rythmes entêtants et ses mélodies propices a sauter sur les murs, cachent un évident pessimisme. La missive finale Future Reflections notamment, reste indéniablement froide et lucide. And remember what it felt like/ To be alone/ Sitting in the sunlight/ All alone. Le duo a parfaitement compris les enjeux de la musique d'aujourd'hui. Dénoncer cette société d'excès par encore plus d'excès. Faire la fête pour oublier. Ces 10 comptines acidulés et pétillantes auraient très bien pu plagier Bukowski et prendre le nom de "Contes de la folie ordinaire". Cela conviendrait parfaitement. Le tout sans tomber dans les messages politico-écolo-chiant de Radiohead & co. Chacun son job. Celui de MGMT serait de nous emmener dans des cimes nouvelles. On entrevoit même les portes de la quatrième dimension grâce à l'épique 4th Dimensional Transition. Titre fantastique. Tendu. Où tout est toujours tout prêt à tomber en poussière. On résiste tant bien que mal. L'esprit se vide et on s'envole. Car même si les pieds restent solidement attachés dans le sable, la tête elle est déjà loin partie chercher des réponses dans le ciel. Au détour de quelques nuages, on aperçoit des dauphins qui volent. L'histoire n'est peut-être jamais aussi belle que dans les airs après tout.

La vidéo de Time to Pretend, premier single halluciné et hallucinant

Et pourtant, Oracular Spectacular n'est pas l'album parfait. Loin de là. Certains titres poussent trop loin les tentatives psychés d'établir un pont entre les années 2000 et le Summer of Love. Un pont ou plutôt un poignée de main, sur un The Handshake indigeste. L'utilisation effrénée de la reverb par un David Friedmann (Flamming Lips, Mercury Rev) que l'on connait coutumier du fait, agace aussi. Mais une telle tornade, une telle bombe sans retardement nous envoie une dose d'électricité si intense si violente qu'on ne peut que sombrer. Délirante fantaisie et fantastiques délires sont au menu de cet Oracular Spectacular.

Accrochez vous. Cette année 2008 va faire du bruit et les MGMT encore perchés tout là haut au pays des merveilles n'y seront certainement pas pour rien. On sort épuisé. A moitié conscient. Et si tout cela n'était finalement qu'un rêve?

Belle & Sebastian - If You're Feeling Sinister

2008-04-17T17:15:00.001+02:00

Belle & Sebastian. If You're Feeeling Sinister. Un groupe. Un album. Pour tout amateur de pop indépendante, cet album représente plus qu'un simple disque. Il y eut le petit livre rouge. Il y a désormais le petit album rouge. Un prestance et un classe incroyable. Une petite mélodie qui flotte dans l'air. Une légère mélancolie vous pénètre. Vous venez d'entrer dans l'univers de Belle & Sebastian.

Les premières notes de The Stars of Track & Field s’échappent. On lâche un sourire presque inconscient qui nous trahit déjà. If You’re Feeling Sinister . Le titre aurait certainement dû nous aiguiller. Un rempart infaillible contre la solitude et la tristesse. Deuxième album du groupe écossais, Belle & Sebastian, formé autour de son charismatique chanteur Stuart Murdoch, If You’re Feeling Sinister , d’une magnifique et désarmante simplicité, est un pur chef d’œuvre.

Sûrement le moins travaillé de tous les albums du groupe. Le plus touchant aussi. Pop et mélodique, il n’est pourtant pas facile d’atteinte pour tout le monde. Souvent considéré comme très niais et naïf. Ce qu’il est indéniablement. Pourtant sous ces abords peu recommandables, Belle & Sebastian cache une véritable attirance pour une pop enlevée, inspirée et sublime. Il faut en effet du temps. Du temps pour avoir enfin le privilège de pénétrer dans l’univers du septet écossais. Les uns se jetteront donc sans ménagement sur ce petit joyaux. Les autres, trop aveugles, intimidés ou même jaloux resteront à l’écart, se moquant gentiment et proclamant ironiquement Get Me Away I’m Dying ! Intimiste. Généreuse. Sans aucune exubérance ni prétention. Telle est la pop, typiquement britannique de Belle & Sebastian. Es-ce donc véritablement un hasard si le groupe a longtemps refusé les séances photos et les interviews ? Belle et Seb’ est également un groupe rempli de paradoxes. Les mélodies sont enlevées et presque joyeuses. Et pourtant le chant est touchant et déprimant. Mélancolique et fragile.

Imparable remède contre les longues après midi en solitaire. A l’exception peut-être du vraiment triste The Boy Done Wrong Again. “All I wanted was to sing the saddest songs/ If somebody sings along I will be happy now”. On est promené de ballades en ballades. Déportés, on suit le cours du disque sans effort ou presque. On perçoit le long de cet oubli, si beau qu’il en parait presque irréel, la luxuriance des paysages et des arrangements. Les cuivres de Judy and the Dreams of Horses. L’harmonica qui fait signe ici et là. On peut Belle et (Sebastian...) bien tenter de résister à cette pop charmeuse d’une perfection agaçante. Mais quand on se rend enfin compte que tout nos efforts de luttes, de défenses, sont vains et inutiles, on se laisse enfin porter. Oublier. On est bien au pays des rêves.

Notre relation à cet album est longue et complexe. Plus qu’un simple disque. Cet univers bien plus tortueux qu’il en a l’air met en éveil tout nos sens. C’est à chaque fois pareil. On pose le disque sur la platine. Puis c’est immédiat. On se prend à rêver de cette douce mélancolie qui tourne et retourne sans interruption. Et quand soudain on revient à nous c’est pour s’apercevoir que 6, 7 écoutes ont passé. A l’image de cette parfaite pochette. Que l’on tient près de nous. Comme un trésor précieux. Cette image. Qui reste en tête. Un femme rêveuse. A moitié endormie. Un livre ouvert. Près d’une fenêtre. Ouverture sur un monde utopique. Ephémère voyage au pays des songes. En pleine Verve brit-pop (puis Oasis, Blur, tout ça), un havre de paix dans un monde sûrement trop turbulent. Un monde trop rapide. Dans lequel il faudrait prendre le temps de se poser. Si je devais retenir un message du Petit Album Rouge ce serai surement celui-ci. S’assoir alors que tout bouge autour de nous. Contempler le temps. L’espace. Pour finalement se sentir seul.

Car et si finalement il n’était question que de ça. D’oubli. De solitude. De la peur de l’extérieur. “Cause the word out on the street is you are starving/ Dont let yourself grow hungry now/ Dont let yourself grow cold/ Fox in the snow”. Finalement oubliez ce que je vous ai dit. If You’re Feeling Sinister n’est pas un rempart contre la solitude. C’est d’ailleurs tout l’inverse. Elle n’est jamais aussi grande qu’en écoutant un tel disque. On s’en rend compte au fur et à mesure que l’on avance dans le disque. Et les mélodies souvent accueillantes et chatoyantes de Murdoch ne font illusion qu’un temps. Un mirage. Pour finalement faire apparaître un désarroi plus grand. Qu’il fallait en fait chercher. Longtemps. Encore et encore. If You’re Feeling Sinister n’est finalement qu’un album dépeignant la détresse. D’une manière si humaine qu’elle n’en est que plus belle. Quelques chansons font encore trompe l’oreille malgré l’épreuve du temps (Mayfly, Me & The Major), mais ce ne sont que quelques taches de verdures perdues dans un univers brumeux. Trempé.

Sinon tout n’est que pesant silence et solitude désespérée. Le ciel s’épaissit en fait petit à petit. La pluie commence à tomber. En même temps que nos rêves. Et quand sonnent les premières mesures de The Boy Done Wrong Again, plus rien ne compte. Simplement. Merci.

"The Stars of Track and Field" – 4:48
"Seeing Other People" – 3:48
"Me and the Major" – 3:51
"Like Dylan in the Movies" – 4:14
"The Fox in the Snow" – 4:11
"Get Me Away From Here, I'm Dying" – 3:25
"If You're Feeling Sinister" – 5:21
"Mayfly" – 3:42
"The Boy Done Wrong Again" – 4:17
"Judy and the Dream of Horses" – 3:40

Sortie 18 Novembre 1996
Enregistré Ca Va Studio, Glasgow
Genre Pop Charmeuse
Durée 41 minutes 17
Label Jeepster Records
Producteur Tony Doogan

Pakside - Cables

2008-04-09T17:16:00.003+02:00

Que se passe t-il quand deux des rédacteurs de l'Indierockmag (RabbitIYH et moi-même) décidons de défendre coute que coute la plus grande révélation de ce début d'année, à savoir les hollandais de Parkside? Enfin, révélation est un bien grand mot puisqu'un manque de reconnaissance cruelle touche ce collectif qui le mérite tellement. Ça donne en tout cas une chronique pleine d'envie et flairant le joyeux bordel pas toujours contrôlé. On espère sincèrement que vous courez à la découverte de ces aventuriers du son après l'avoir lu. Filez sur Myspace, LastFM qui distribue tout les titres ou Paypal pour vous procurez ce disque. Mais faites quelque chose. Et vite. Enjoy!

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En ce début 2008 décidément bien riche, surgit Parkside. Autant le dire tout de suite. La révélation de l’année. Mais ce Cables au titre aussi étrange qu’énigmatique ne vient pas pour autant de nulle part.

Car cet album, à la rédaction d’Indie Rock Mag, on l’attendait depuis 2006 et quelques morceaux découverts au détour d’un player alors que l’on faisait nos premiers pas sur myspace, se demandant encore s’il était vraiment possible de tomber sur un tel groupe encore inconnu ou si l’ivresse de la nouveauté (cette façon encore neuve pour les artistes de faire connaître leurs univers en mettant leurs chansons à disposition des internautes, en allant carrément les chercher "chez eux" pour créer un rapport de proximité encore inimaginable quelques années auparavant) nous avait fait perdre toute capacité de jugement.

Mais quelques écoutes plus tard d’un EP encore tout chaud offert en libre téléchargement, The Desintegration Service , et on était définitivement rassuré, et assuré d’avoir mis le doigt sur une étoile en devenir.

Il aura depuis fallu deux ans au groupe pour accoucher de ce deuxième album tant attendu au moins par nous (le premier était paru en 2003 dans la confidentialité), et mois après mois nous en découvrions les morceaux sur myspace, tant et si bien qu’à sa sortie en mars nous connaissions déjà, en comptant les deux titres présents sur le fameux EP, deux bons tiers des chansons. Certains attendaient de l’entendre pour y croire, les autres en étaient déjà persuadés, Cables allait marquer le rock en 2008. Après tout, que fallait-il encore à Parkside pour réussir son coup ? Une poignée de morceaux capables de se hisser à la hauteur de ceux déjà connus, un tracklisting assez bien construit pour dépasser la simple somme de ses parties... tout ce qui fait un grand album, en définitive, si l’on y réfléchit. Avec le recul, nous aurions donc dû avoir peur. Mais le souvenir d’une session live tout bonnement extraordinaire pour Fabchannel.com ne laissait aucune place au doute dans nos esprits. Avec raison.

Quelque part entre les constructions mouvantes et schizophrènes de Radiohead, la fièvre et l’intensité de dEUS, l’onirisme aventureux des Flaming Lips et les nappes électro planantes de The Notwist, Cables est ainsi, d’ores et déjà, l’un des tout meilleurs albums de 2008. Rien de moins. Un labyrinthe sonique qui devrait en laisser plus d’un à terre. Les premiers titres posent les bases d’un album à la fois complexe et accrocheur, angoissant et flamboyant. Le reste, construit sur ces solides fondations, se chargera de vous achever une bonne fois pour toutes. Les sonorités électroniques procurent un léger côté malsain qui ne fait qu’ajouter à l’attrait de ces chansons aussi troublantes que fascinantes. Mais quelques morceaux comme le touchant An Angel In The Afternoon nous prouvent s’il était besoin que Parkside est également capable de maîtriser à la perfection toutes les sonorités pop. "Pop" étant néanmoins un mot par trop réducteur pour qualifier la musique particulièrement hybride de ces hollandais pas comme les autres.

De fait, partant à la découverte d’horizons musicaux dont la profondeur de champ n’a d’égale que la richesse et la luxuriance, Parkside n’a pas attendu d’être reconnu pour se lancer à l’abordage de ces nouvelles contrées sonores. C’est peut-être ce qui déroutera l’auditeur peu averti, qui préfèrera le confort de paysages plus classiques ou plus chatoyants. Car dans ce voyage vers nulle part et partout ailleurs, on a parfois l’impression de se perdre dans une immensité déroutante qui ne sera pas sans rappeler Autechre ou Radiohead période Kid A / Amnesiac . Tout cela s’entend dès le premier morceau The Disintegration Service - quel titre ! - avec cette intro d’électro déréglée sonnant comme une rencontre entre Lali Puna et le label Warp, qui cède bientôt la place à un rock minimal nourri au dub de Bristol avant de s’ouvrir à une luxuriance d’arrangements de cordes et de claviers à coller le frisson. Le groupe fait alors figure d’aiguilleur du ciel. Son but : nous guider, en commençant par nous introduire à son univers ouvert aux quatre vents et pourtant profondément singulier, autiste même si l’on en croit cet hymne à l’inadaptation en tant que mode de vie assumé par le songwriter René de Wilde et ses amis. Cables est donc un album qui se mérite. Mais une fois apprivoisé il se révèle enfin. Comme tout les grands albums, le chemin pour l’appréhender dans son entier est tortueux. Ça monte et ça descend. Parfois la pente est abrupte et l’on peine à garder la cap, mais de-ci de-là des titres plus faciles d’accès nous aident à continuer. On ne saurait les remercier suffisamment. Car parvenu au sommet, c’est un régal. Un paysage d’une richesse rarement égalée s’offre à nous à perte de vue. Tant et si bien que dès les premières écoutes, l’album semble pratiquement inépuisable.

Parkside alternera ainsi brillamment jusqu’au dernier morceau de Cables ambiances plombantes, refrains planants, envolées lyriques, accès de rage et plongées au pays des songes. L’impressionnant Stay Connected étant peut-être le titre qui symbolise le mieux les nombreux contrastes et paradoxes de cette musique étrange, barrée mais pourtant si proche, qui n’a assurément pas fini de nous passionner.

Contact

2008-04-07T13:59:00.001+02:00

En attendant le retour des chroniques, pour très bientôt, j'en profite pour dire que pour toute suggestion/questions/commentaires vous pouvez me contacter ici casablancas@indierockmag.com
J'essaie toujours de répondre dans la mesure du possible. N'hésitez pas!

Love You Lou

2008-03-24T12:53:00.003+01:00

A vrai dire, j’avoue volontiers que je réécoute aujourd’hui sans mal tout les albums de Lou Reed. Même les plus mauvais et il y en a. Mais pas Transformers . Trop évident ou facile. Pourtant j’ai ressorti la chose hier. Et je vais être honnête. Cela faisait longtemps qu’en dépoussiérant un album je n’avais pas été autant bouleversé. Même si je préfère de loin Berlin ou Coney Island Baby , force est de reconnaitre de cette plongée au cœur du New York des années 70 en compagnie du Rock’n’Roll Animal est sublime. Parfaite de bout en bout. Lou signe une performance sans faute tout du long. Un disque paradoxal Transformers . L’album de tout ses (seuls ?) succès. Vicious, Perfect Day, Satellite of Love et... Walk on the Wild Side bien sur. Tout est là. C’est ce morceau qui comporte le plus grand paradoxe de Lou. Comment a t-il bien pu signer un des plus grands succès des 70’s sans jamais avoir une culture du single et bien au contraire ? Et puis par quelle miracle un chanson qui évoque les prostituées et les dealers de Broadway a t-elle bien pu arriver en tête des charts en plein milieu des 70’s ? Ça je pense que même Lou lui-même ne le sait pas. Et puis il y a cette sublime conclusion. Goodnight Ladies. Ce morceau où Lou joue le crooner désabusé, accompagné par une impeccable section de cuivres. Parfait. Vraiment.

Je parlais tout à l’heure de Berlin . Le successeur de Transformers . Aujourd’hui chef d’œuvre certifié mais flingué littéralement par les critiques de l’époque ce qui lui avait valu le droit d’atterrir tout droit dans les bacs a soldes. C’est vrai, Lou raconte tout le temps un histoire à travers ses disques. Mais aucun d’eux ne possède la cohérence et l’éclatante noirceur de Berlin . L’album de tout les superlatifs. Le plus déprimant. Le plus noir. Une face B qui ne nous laisse que des larmes. Mais surtout le meilleur album de Lou Reed. Un des meilleurs des 70’s aussi. Il émane aujourd’hui un tel culte autour de cet album que cela en devient vite agaçant. Mais il faut se rendre à l’évidence. C’est lumineusement noir et réellement glauque. Autant, Transformers célébrait les années glam et été produit par un David Bowie pas franchement déprimé, autant Berlin est un vrai disque (de) malade. Produit lui par l’ingénieux génie Bob Ezrin. Coupable entre autre du Killer d’Alice Cooper et plus tard du Wall De Rog...Pink Floyd.

Bon alors pourquoi je fais aujourd’hui cet article splendidement inutile et que je vous ennuie avec mes histoires ? A vrai dire je ne sais pas trop. En fait si. Il faut savoir que Lou Reed a été un des personnages les plus importants de l’histoire du wock’n’woll et qu’il est toujours bon de lui rendre hommage (Lou si tu m’entends...). Toujours en avance de 10 ans. Avec le Velvet et Berlin donc. Mais, malheureusement, il est comme tout les monstres sacrés du rock sur le déclin. Il s’empiffre aujourd’hui en tournant avec Berlin. Il devrait d’ailleurs remettre ça cet été un peu partout en Europe. Ce mercredi sort même un film sur cet album culte, réalisé par Julian Schnabel. Oui tout cela est bien triste je vous l’accorde. Mais que voulez-vous ? Il faut bien transmettre le relais aux générations futures. C’est à ce prix que l’on vit aujourd’hui encore les fantastiques histoire du Lou. Puis il y a cette remarque qui n’est que trop vrai de je ne sais plus qui. I play on your team anyday Lou.

Mark Lanegan - I'll Take Care of You

2008-03-20T17:44:00.007+01:00

Mark Lanegan. On connait tous. Les Screaming Trees. Sa collaboration avec Josh Homme chez les Queens of the Stone Age. Et même sa carrière solo qui devrait bientôt accouché d’un nouvel opus, seconde collaboration avec Iso Campbell. Pourtant dans la carrière de l’atypique songwritter il reste un disque. Merveilleux. Oublié. Poussiéreux. Tout comme les chansons qu’il renferme.

I’ll Take Care of You . Aussi surprenant que cela puisse paraitre c’est un disque de reprises. Uniquement. Et pourtant. Un disque sublime. Où le ténébreux songwritter rend hommage au folk et au blues. Et donc à travers des chansons qu’ils n’a pas écrites. A vrai dire, on s’en doutait un peu. Mais cette fois c’est sûr. Mark a tout d’un érudit. Pas du genre à choisir des classiques. Exit Dylan ou Neil Young. Il sera donc question de Tim Hardin, Buck Owens ou Steven Harrison Paulus. Ces noms ne vous disent rien ? A vrai dire moi non plus. Il y en a même qui n’ont aucune réponse sur Google. Au lieu de simplement étaler sa culture musical, le beau Mark signe un disque magique et atemporel. Des chansons crasseuses et brutes interprétées par le timbre parfait de Lanegan.

Des reprises et un style qui change. Oubliez les précédents albums. Oubliez les Screaming Trees et leur grunge bruyant. Song for the Deaf et son hard-rock. I’ll Take Care of You est un disque sombre. Beau à en pleurer. Tout est clair dès le premier morceau. Carry Home. Un titre dépressif au possible. Pour les longues après-midi de pluie. Les matins de cuites. Les froides soirées d’hiver. Le son est chaud. La voix de Lanegan rassure et entraine. Une ballade dans l’Amérique profonde en compagnie du poète. La route défile. Les verres qui s’enchainent. Et Lanegan. Hypnotique. Qui nous captive. Toujours. Cigarettes, Whisky & Lanegan . Un adage qui conviendrait parfaitement. I’ll Take of You révèle une facette plus sombre de son auteur. Un univers noir. Dépressif. Mais digne. Lanegan ne gémit jamais. Il reste debout.

A l’écoute d’un titre comme Creeping Coastline Of Lights, on se dit qu’il ne s’est vraiment pas trompé dans le choix des morceaux. Un homme de gout. Définitivement. L’interprétation est parfaite. Les cuivres de Consider Me. La voix de fumeur de Lanegan. En soit, avoir (re)découvert de tels trésors rend l’ensemble aussi méritant que de les avoir soit même composés. Un univers plus calme. Mais pas bucolique pour autant. C’est la tempête sous des aspects enchanteurs. Une façade. Seulement. Car les titres sentent parfois la colère. Laissent apparaître le visage tourmenté de l’américain.

Personnage attachant, Mark Lanegan arrive à recréer avec la musique des autres son propre univers. Beaucoup de drogues et d’alcool et un indéniable talents. Un univers tourmenté. Que l’on voudrai voir creuser. Plus souvent. Avec ses propres chansons. Loin du boucan de son groupe d’origine. Ce n’est malheureusement que rarement le cas Quelques titres avec une rythmique plus enjouée offre un peu de répit. C’est toujours aussi beau et plus ou moins dépressif ("Shiloh Town"). Lanegan rend hommage au folk. Soit. Il est pourtant intéressant de constater que d’autres musiciens punk ou grunge avant lui ont toujours exaltés leur attirance pour le folk. Joe Strummer ou Cobain entre autres. Mais l’américain pousse plus loin. Il n’est pas rare qu’il sorte des disque folk plus apaisés. En solo. Toujours.

Pourtant, aucun ne parvient a recréer l’univers unique de I’ll Take Care of You . Son meilleur disque. Tout simplement. Mais également l’un des meilleurs des années 90. Un trésor oublié. A garder précieusement. Que l’on sort parfois. Que l’on hume délicatement. Pour mieux replonger la fois suivante.

Neil Young - Trans

2008-03-19T18:26:00.002+01:00

Souvenez vous. De cette époque déjà lointaine. Le temps du dépoussiérage du vocodeur. Des expérimentations par ordinateurs. Détrompez-vous. Je ne veux pas vous parler de la French Touch. De Moon Safari ou de Discovery . Ni même de la vague techno de la fin des années 1980. Mais aujourd’hui je compte bel et bien vous parler de...Neil Young ! Je vous vois déjà arriver avec votre air surpris "C’est quoi ce machin ? Arrête de raconter n’importe quoi !" Et pourtant. Trans-portez vous en 1983....

Date où sort ce disque. Remarquez au passage la conjecture historique magnifiquement défavorable. Un album détruit par une critique qui n’avait une nouvelle fois rien compris. Trans est pourtant un album passionnant. D’un point de vue musical et historique. Mais il faut bien le dire. En 1983 l’ami Neil ne va pas fort. Il y a de quoi. Sa femme découvre une tumeur. Il apprend que son deuxième fils est atteint d’une maladie mental encore plus grave que celle du premier. Mais on le sait. Neil Young a un cœur d’or. Il va mettre au point ce disque. Un projet un peu fou. Afin de contrer la solitude. Et même, dit-on, pour tenter de communiquer avec ses fils. Au départ Neil Young a une idée bien tranchée. Chaque chanson doit être accompagnée d’un clip afin de former une trame narrative.

Je le dit dès maintenant. Trans est un des meilleurs albums du loner. J’aime ce disque. David Geffen manifestement pas. Ce dernier lui avait pourtant donné une liberté total. Après Island in the sun , il refuse Trans . Il part. Il accuse le canadien de saboter sa carrière. Il avait tort. Comme tout ceux qui ont massacré Trans . Car Young a une nouvelle fois 10 ans d’avance. Les nostalgiques des ballades de On the Beach ou de Tonight’s the Night peuvent sortir. La suite se fera à coup d’ordinateur, de vocodeurs et de synthés. En ce début de décennie, Neil Young sonne comme Kraftwerk, préfigure Daft Punk et Chemical Brothers. Mais ce projet n’intéresse personne. Neil Young se retrouve en position d’incompris. Le signe des grands disques. Lou Reed, qui en connait un rayon sur le sujet, en est la preuve vivante (Bon, ok à moitié vivante). Geffen accorde le strict minimum a Young d’un point de vue financier. Le canadien doit se résoudre à abandonner l’idée des clips. Son entourage veut donc le décourager. Qu’importe. Le loner est décidé a faire cet album. Mais le public va également l’abandonner. Trainé dans la boue. Neil Young se retrouve seul. Encore un peu plus. D’un point de vue commercial Geffen avait raison. Il est vrai que Trans est un album difficile. A comprendre. A cerner.

Il y pourtant ce titre "normal" en piste 1. Little Things called Love. Le seul où la voix du loner n’est pas vocodée. Pourtant. Le titre est le moins intéressant. Pas foncièrement mauvais. Mais un peu poussif. Son refrain en chœur est banal. Young le reproduira sur un album entier sur l’affreux Everybody’s Rockin’ . Sorti la même année il été censé faire oublier la déception engendrée par Trans . Il n’en fut rien. Les 8 titres suivants ne ressembleront pas à cette pâle copie des gloires passées. Le titre suivant Computer Age change de registre. On croirait à une piste de Discovery. L’intro de One More Time sort de là. Un titre fabuleux à vrai dire. Défendu par des montagnes d’électronique, Neil Young prépare sa réponse aux détracteurs. Chevauchant ses machines comme des chevaux. A l’assault. Sèche et froide. Tel sera une nouvelle fois la réponse. Le public n’aimera donc pas Trans.

Aujourd’hui encore. L’heure de la réhabilitation n’a toujours pas sonnée. Neil Young s’en fiche pas mal. Il persiste même à dire que Trans fait parti des albums préférés de sa discographie. Le monde pense encore que Trans n’est que cet album bizarroïde et franchement barré, certes mais sans charme. Cela aurait pu l’être. A part une poignée de curieux ou d’irréductibles fans, personne n’a ne serai-ce que cherché a comprendre. Combien dans ceux qui ont détruit cet album l’ont réellement écouté ? Car c’est album est une pépite. Encore plus si on le replace dans son contexte.

Même caché derrière des montagnes de technologie, le loner n’a jamais paru aussi dénudé. Aussi seul. A part peut-être sur Tonight’s the Night quelques années plus tôt. Deux grandes périodes de solitude qui donnent lieu à des albums splendides. Parmi les tout meilleurs de Neil Young. Qui est capable de ne pas sombrer à l’écoute des superbes Transfromer Man ou Hold on to Your Love ? Même amputé, Trans sonne comme une cathédrale sonore sublime ou l’on serait les premiers à pénétrer. Ça sonne encore neuf. Grandiose. Si on laisse nos aprioris à l’entrée, s’impose un constat. Neil Young a composé l’album le plus novateur des années 80. Ces morceaux qui frisent souvent les 10 minutes ne sont jamais, au grand jamais, lourds ou indigestes.

Trans est à l’image de son auteur. Visionnaire, sincère et intelligent. L’ensemble aurait pu sonner affreusement daté. Comme un bon nombre de films de S-F de cette époque qui se voulait alors moderne (2001 : L’odyssée de l’espace ? Quelqu’un ?). Il n’en est rien. Il sonne aujourd’hui toujours aussi moderne. Il aurait pu sortir hier et n’aurait pas à pâlir de la comparaison avec ses contemporains. Qu’es-ce qu’on a besoin de Justice quand on a des albums comme ça ? Personne n’ose l’avouer. Mais combien sont-ils a avoir une dette envers Trans ?

C’est une certitude. L’album sera à coup sûr réhabilité. Dans 3 jours ou 10 ans. Peut importe. C’est de tout façon un disque qui se savoure avec la durée. La légende ne dit pas si Neil Young est réellement arrivé à communiquer avec ses fils. Sinon ? On a trouvé la plus belle pochette de tout les temps. Voilà une seule chose qui n’a pas besoin du temps pour s’apprécier. On en est là.

"Little Thing Called Love" – 3:13
"Computer Age" – 5:24
"We R in Control" – 3:31
"Transformer Man" – 3:23
"Computer Cowboy (AKA Syscrusher)" – 4:13
"Hold on to Your Love" – 3:28
"Sample and Hold" – 5:09
"Mr. Soul" – 3:19
"Like an Inca" – 8:08

Sortie 29 décembre 1982
Recorded 24 Septembre 1981 - 12 Mai 1982
Genre CQFD...
Durée 44:26
Label Geffen
Producteurs Neil Young, Tim Mulligan, David Briggs

The Kills - Midnight Boom

2008-03-16T19:09:00.009+01:00

Elle. Une voix superbe. Charmeuse. Une classe à tout épreuve. Lui. Glamour. Salement doué. Complément idéal à la première. Quand les Kills ont débarqué. Tout était clair. Keep On Your Mean Side . Nous sommes en 2003. Dans la foulée des White Stripes, une série de duos émerge. De partout. De nulle part. La plupart se contentent de copier les glorieux aînés. Pas les Kills. Trop honnêtes. Trop doués. Trop malins. Une rythmique rapellant Suicide. Une fièvre sexuelle jamais vue depuis Jesus & Marys in Chain. Une voix rauque qui doit tant à PJ Harvey. Et un blues qui d’instinct sonne White Stripes. Désespérément rock. Tout le monde est d’accord. The Kills rafle la mise dans un monde qui pleure les Libertines. Puis en 2005, les Kills remettent leur titre en jeu. No WoW . Et là, tout devient trouble. Les avis sont divisés. On remet même en cause leur victoire de 2003. Vulgaire redite d’un premier album flamboyant ? Confirmation que le duo est bien l’un des groupes les plus talentueux apparu depuis le début des années 2000 ? Arrogants ? Sincères ? Le groupe devient le plus grand sujet de discorde depuis l’Affaire Dreyfus. Et j’ironise à peine.

Smoking Kills ....

Les Kills sont de retour. Depuis plus d’un mois. Deux singles lâchés dès février. Le moins que l’on puisse dire c’est que les Kills ne vont pas rallier adorateurs et détracteurs. U.R.A Fever et Cheap & Cheerful sont sujets à toutes les critiques et à toutes les louanges. Mais on ne va pas parler de cela. Puisque de toute façon personne ne partage le même avis, pourquoi en parler ? Parlons du premier album, puisque c’est la seule chose sur laquelle le monde est d’accord. Ou même. Imaginons le prochain. Soyons fous. Parlons de la vie de Jamie "Hotel" Hince qui s’affiche au bras de Kate Moss. Ou de celle plus tranquille d’Alisson "VV" Mossart. Mais ce n’est pas cela que vous voulez. Hein ? Vous le voulez mon avis sur ces deux singles ? U.R.A Fever alors, Ça vous convient ça ? D’accord. Ce bruit de téléphone qui ouvre. Les paroles sont murmurées. Incisif et puissant ? Poussif et sans intérêt ? Une ligne de basse sèche. Fiévreux. Enivrant. La libido excitée au maximum. Finalement. Les Kills ont réussi. Un sommet absolu ou un ratage total ? Il vous faudra choisir. Sans compromis. Puis on remet ça avec le second single. Preuve indéniable de bon goût ou horrible morceau calibré FM ? Et ce clip. Superbe inspiration pop-art ou vulgarité sans égale ? Bref. On l’aura compris, on va débattre encore longtemps. Mais là est toute la classe des Kills. Quel meilleur choix de single aurait été possible pour promouvoir cet album ? Un coup marketing. C’est bien peu diront certains. C’est parfait pour commencer diront les autres.

La vidéo de U.r.a Fever, controversé premier single de Midnight Boom

Car il faut maintenant parler du reste de ce Midnight Boom . Commençons par...les reproches. De suite. Afin de satisfaire les détracteurs. Il y a un titre réellement mauvais. L’affreux Getting Down. Et...et ? C’est tout. Alors on résume. On écarte les deux singles alignés d’entrée en plage 1 et 2. Et ce Getting Down donc. Car à part ça, ce Midnight Boom est exempt de tout reproche. On retrouve la voix d’Alison appuyée par l’impeccable rythmique de Jamie. Les giclées de guitares. Les hurlements du chant. Et quand les voix sont couplées on retrouve cette ambiance malsaine des précédents albums. C’est toujours intense. Urgent. Mais The Kills révèle ici son côté plus pop. Mais quand ça explose, c’est pour de vrai. Un génial M.e.x.i.c.o rappelle, comme si il y en avait besoin, que le duo est un groupe rock. Un vrai. Moderne. Leurs chansons sont urbaines. Ce fantastique What New York Used to Be. Génial hymne à la défonce. « In the water, shot of ecstasy/ Secrets in the open bottle/ Feed it, don’t believe it/ Just leave it ». Les guitares sont acérées. Les boites à rythme basiques mais méchantes. C’est brut. Midnight Boom aborde le plus souvent des thèmes simples. Parle de choses de tous les jours. Amours, dépressions, stress. Mais avec classe et élégance. Comme à l’habitude. Drogues, cigarettes et cafés. On imagine bien l’ambiance dans laquelle a été enregistré ce troisième album. Peut-être moins torturé et malade que ses prédécesseurs. Quoique. Il n’en reste pas moins un disque tourmenté. Moins crasseux que No WoW . Soit. Le garage a laissé entrer des sonorités presque radiophoniques. Mais c’est toujours diablement efficace. Last Day of Magic témoigne de cette nouvelle approche musicale. Et ça n’empeche pas les Kills de tout emporter sur leur passage. Le nihilisme en moins. Le détachement en plus.

Et la vidéo de Cheap & Cherful, second simple tout aussi controversé

Mais la solitude est encore grande. Deux intermèdes en mid-tempo sont disposés entre les titres. Black Balloon tout d’abord. De la folk-pop touchante et sublime. Mais ce titre ne fait qu’esquisser les contours de cette conclusion magique. Goodnight Bad Mornings. Ici, tout est parfait. Le titre déjà. Une ballade au teint blafard. La lumière est faible. Au petit matin. L’éternité devant vous. Un titre qui n’a pas fini de vous hanter. Conclusion parfaite d’un bien bel album. A écouter à minuit. Alison : « Le moment où la lune se lève et où tout le monde va se coucher » Midnight Boom . Tout est là.

1. U.R.A. Fever
2. Cheap and Cheerful
3. Tape Song
4. Getting Down
5. Last Day of Magic
6. Hook and Line
7. Black Balloon
8. M.E.X.I.C.O.
9. Sour Cherry
10. Alphabet Pony
11. What New York Used to Be
12. Goodnight Bad Morning

Elbow - The Seldom Seen Kid

2008-03-14T18:48:00.012+01:00

Elbow. Une bande de musiciens névrosés. Toujours outsider. Plus par choix que par manque de talent. La pop anglaise dans tous ce qu'elle a de plus défaitiste a offrir. Un groupe bien curieux qui a connu un superbe départ avec Asleep From Back. Puis est venu la confirmation grâce à Cast Of Thousands durant l'été 2003 avant s'affirmer définitivement avec Leaders Of The Free World deux ans plus tard. Quand on a connu ce début de carrière presque trop parfait, que peut-on espérer? Une discographie sans faute pour les 5 mancuniens. Pourtant, à l'heure des bilans Elbow frappe encore plus fort. The Seldom Seem Kid, dernier album en date du collectif est un régal. Le premier disque d'automne de cette, décidément surprenante, année 2008 arrive dès la mi-mars et on ne va pas s'en plaindre.

La délicate pop parfaitement anglaise qui se dégage des albums d'Elbow leur a tour à tour valu le statut de descendent de Pink Floyd, successeur de Radiohead et concurrent de Coldplay (Beurk!). Bien loin de ses considérations de rock-critics fatigué, le quintette a décidé de faire le point dans son œuvre avant la sortie de ce cinquième opus. Trois ans et un changement de maison de disque ont été nécessaire à la réalisation de ce The Seldom Seem Kid. Concrètement. Qu'es-ce qui a changé dans la musique des mancuniens? Quitte a tuer le suspense dans l'œuf, on va l'avouer tout de suite. Pratiquement rien.

On le sait, la formule est à peu près la même depuis Asleep From Back. Aucun virage radical n'a été engagé cette fois encore. On retrouve donc toujours cette pop élégante qui a fait la réputation du groupe.Néanmoins, en 5 albums, Elbow n'est jamais tombé dans le redit. Cela ne changera pas non plus. Car en procédant par petites touches la musique est suffisamment renouvelée pour garder le plaisir intact. La production est ainsi plus lourde et la voix magnifique de Guy Garvey se retrouve encore un peu plus sous les projecteurs. On comprend dès le titre inaugural, Starlings, une cavacalde de cuivres nous accueille avant que les instruments trouvent le chemin du placard pour faire place à la voix du leader. Les anglais auraient-ils troqués les guitares et les lourdes rythmiques contre un orchestre symphonique? CQFD.Depuis 2005, un album semble avoir marqué Elbow. On retrouve un peu partout les marques du Roots & Echoes des voisins de The Coral. Oui. C'est une évidence, Guy Garvey chante comme James Skelly et ce The Fix ressemble à s'y méprendre au Music at Night des liverpuldiens.

Ground for Divorce, premier single de ce cinquième album des Mancuniens

Une grandiloquence assumé semble avoir pris place dans la musique d'Elbow. Ce Some Riot, bien moins remuant que son titre, et ses arrangements presque pompeux rappelant le Philadelphia de Neil Young, On a Day like This et son orchestration qui fait écho au Harvest du même canadien . Ou encore cet évident premier single, Ground for Divorce. Mais jamais, au grand jamais, ces arrangements n'agacent. Ou plutôt si. Elbow et cet album agace car il est presque trop parfait. Ce Audience with the Pope trop beau pour être honnête. Pourtant ici et là quelques mélodies plus simples, plus nues. Cela ne les rend que plus belles (Mirroball).

Elbow joue pour le plaisir de jouer et cela s'entend. Sincère et brute sous ces arrangements, Elbow symbolise le groupe de pop anglais tel qu'il devrait toujours être. Honnête, sans chercher à courir après les récompenses. Diamétralement opposé aux Arctic Monkeys et autres Babyshambles. La simplicité. Toujours. Ajoutée à de talentueuses orchestrations lyriques. Passé les délires politiquo-ecolo-engagé du dernier opus, le quintette signe avec The Selbom Seen Kid son œuvre la plus aboutie et la plus cohérente. Déprimant sans être geignard, doux sans pour autant ressembler à Coldplay, cet album est une vraie bouffée d'air frais. Comme seule la pop anglaise peut en offrir. Un des titres de l'album s'appelle Weather to Fly. C'est exactement ça.

Au final, The Seldom Seen Kid propose la même différence avec ses grands frères que le Coca Zéro et le Coca Light. Presque aucune. On emballe juste ça différemment et on fait un nouveau produit. Ici un disque. Ils auraient pu se foutre de notre gueule. Ce n'est pas le cas. Car c'est finalement toujours agréable et rafraichissant. A consommer instantanément et sans modération. On achète, on écoute -ou l'inverse suivant la légalité du moyen avec lequel vous vous procurez l'album...- et on apprécie. Les 5 lads de Manchester ont réussi leur coup. Comme toujours.

Starlings
Bones Of You
Mirrorball
Grounds For Divorce
Audience With The Pope
Weather To Fly
Loneliness Of A Tower Crane Driver
The Fix
Some Riot
One Day Like This
Friend Of Ours
We're Away

Sortie 17 Mars 2008
Enregistrement 2007
Label Fiction Records

Adam Green - Sixes & Seven

2008-03-11T12:56:00.011+01:00

Je dois l'avouer, cette année 2008 commence bien. Elle a déjà offerte sa flopée d'albums rock (Black Mountain), pop (Goldfrapp, Girls in Hawaii), blues (Black Keys) et même un superbe BO avec le There will be Blood de Jonny Greenwood. Ces albums sont tous excellents. Rien à redire. Pourtant. Il manque un grand album. En observant le début de la promotion 2008, je n'en vois pas. Il leur manque tous quelque chose. Un soupçon de ce qui fait la différence entre un très bon album et un album indispensable. Ce début de mois mars accouche de l'un d'entre eux. Au fond de la classe, toujours, un timide sourire. Adam Green, Sixes & Seven. Pas celui qu'on attendait le plus il faut le dire. Surtout pas après le flop de Jacket Full of Danger. Autant tuer le suspense dès maintenant. Ce cinquième album du songwritter new-yorkais est superbe. L'album de la maturité déroutant, passionnant où Adam chante cette Amérique qu'il aime tant. En 1 mot comme en 100, j'adore ce disque. C'est grave docteur?

Avec cet album, Adam Green risque bien de changer de dimension. On le connaissait sautillant, volontairement vulgaire mais réellement bidonnant. Il a définitivement grandi. Certes il ne se déguisera plus en lapin rose et abandonne son statut de héros rigolo de la scène anti-folk new-yorkaise (Américaine?) mais s'engage dans une nouvelle voie au moins aussi passionnante. Il termine une mutation engagée avec Gemstones. Oubliez la pop décalée et balancée à 100 à l'heure des premiers albums. Tout a changé. Jacket Full of Danger était maladroit. Soit. Mais nécessaire. C'était une étape indispensable dans la mue du new-yorkais. Ces changements sont matérialisés dès le premier titre. Festival Song et sa cavalcade de chœur. Le songwritter s'entoure en effet d'une chorale gospel, symbole de son évolution. Une manière de rendre hommage à Brooklyn? Surement. Mais ce qui frappe d'avantage c'est la voix. Dans la lignée du dernier album. En encore plus grave et mature. D'instinct on pense au Lou Reed de Transformer ou même à Julian Casablancas. D'un coup il passe du stade d'adolescent attardé à celui d'adulte lucide ayant traversé toutes les étapes de la vie. Il n'y a finalement qu'une seule tentative de renouer avec les gloires passées. Le premier single, le kitch mais irrésistible Morning After Midnight. Mais même dans ce titre parfait le nouveau visage d'Adam éclate au grand jour. Disque dandy, le bonhomme s'attaque aux crooners qu'il admire. Une collection de chansons impeccable dont ne tarde pas à émerger une réelle cohérence après quelques écoutes.

Adam Green a toujours été un songwritter productif. Sortant presque un disque par an -"Comment faire moins quand c'est son métier?"- ce Sixes & Seven, qui pour la première fois a eu droit à une gestation plus longue, comporte 20 titres et aurait presque pu faire office de double album. Généreux comme toujours. Il y a au moins ça qui ne changera jamais. Bon alors bien sûr sur en 20 titres et 50 minutes, on retrouve quelques morceaux dispensables (Exp. 1, Cannot get Slicker, That Sounds like a Poney ou la ballade un peu niaise Getting Led). Mais c'est presque mieux. Les autres morceaux sont tellement irrésistibles que sans ces -rares!- baisses de régimes on aurait pu crier à la concurrence déloyale. Et c'est à peine exagéré tant ce cinquième album possède de pépites. En témoigne la mélodie parfaite du génial Twee Twee Dee. Le nom du titre vous fait rêver? Vous allez être servi, les paroles sont encore plus irréelles et impénétrables qu'à l'habitude. Ainsi chante t-il "Courageous doofus by design(!?) / Blankets filled with iodine (!?)" sur un rêveur Tropical Island. Les critiques sont pourtant faciles et pourrait reprocher à Green les faciles Getting Led ou Broadcast Beach, mais cela fait pourtant parti intégrante de sa musique.

Une seule fois, le dandy partage sa chanson avec une voix totalement étrangère, non noyée dans des cœurs. Dans le splendide Drowning Head First, peut-être le meilleur morceau de l'album, il apporte une touche de féminité. Accompagné d'une section de cuivre ce titre est une merveille. "I think we have a Terrible Problem" chante t-il dans ce dernier. C'est tellement vrai. Comment dire qu'un album du new-yorkais, si souvent décrié pour des motifs parfois puériles, est absolument génial sans devenir risible? Il faut pourtant se rendre à l'évidence. Malgré quelques défauts, ce disque est sincère et charmeur et s'avère vite indispensable.

Morning After Midnight

Même si il laisse tomber les pop songs acidulés et grivoises comme Choke on a Cock?, il n'a pas pour autant perdu tout sons sens de l'humour. En témoigne ce Be my Man lumineux ("Could Tom and Jerry be my Man?"). Il arrive pourtant a être touchant à l'instar du mélancolique It's a Fine ou de ce presque nihiliste Homelife ("I wish I was Dead"). Adam Green signe ici son meilleur album. Classieux et élégant, des chansons glamour pour qui recherche une pop 4 étoiles qui ne se prend jamais vraiment au sérieux. N'en déplaisent à certains, Adam Green est en train de s'imposer comme l'un des songwritters majeurs de l'Amérique moderne. Les détracteurs ne se rangeront surement pas. Ils ratent pourtant le meilleur album de ce début d'année. Tant mieux pour nous. Tant pis pour eux.

1. Festival Song
2. Tropical Island
3. Cannot get Slicker
4. That Sounds like a Poney
5. Morning after Midnight
6. Twe Twe Dee
7. You get so Lucky
8. Getting Led
9. Drowning Head First
10. Broadcast Beach
11. It’s a Fine
12. Homelife
13. Be my Man
14. Grandma Shirley and Papa
15. When a Pretty Face
16. Exp.1
17. Leaky Flask
18. Bed of Player
19. Sticky Ricky
20. Rich Kids

Sortie 11 Mars 2008
Enregistrement New Jersey
Durée 49 Minutes 13
Genre(s) Indie Pop/Folk
Label Rough Trade

Air - Moon Safari

2008-03-08T18:02:00.004+01:00

Versailles. Une banlieue chic peu propice à l'évasion. Dunckel rencontre Godin. Les deux étudiants côtoient De Crécy , Gopher et les deux moitiés de Daft Punk. Souvenez-vous. L'explosion de la French Touch. Première reconnaissance internationale de notre musique hexagonale depuis Gainsbourg. Dès 1997 les Premiers Symptômes apparaissent. Un maxi en témoignage des débuts de cette glorieuse époque. Puis l'année d'après Dunckel et Godin qui sont devenus Air commettent un premier album. A vrai dire le meilleur de tous. Il n'y a jamais vraiment eu de compétition. De suite les deux solistes jouent dans une autre dimension. S'embarquent dans un safari céleste. Moon Safari donc. Comme le nom va bien. Un titre parfait. Comme le reste. De la pop élégante sur fond de musique électronique. Dès le départ Air trouve son son. Une pop naïve parfois bougrement futée. Air agace. Comment deux fils de riche peuvent ils sortir un tel album. Coup d'essai, coup de maitre. Une sortie dans 40 pays. Un top 10 chez nos amis anglais. Sexy Boy et Kelly Watch the Stars. Tout une époque.

Un instrumental parfait en ouverture. La Femme d'Argent. Un titre mielleux qui glisse l'auditeur dans un somptueux décor. 7 minutes rêveuse, point de départ de cette formidable épopée. Air fait taire les critiques parfois puériles et méchantes. Qui repartent pourtant de plus belle. En incrustant deux singles faciles et accrocheurs cités plus haut. Evident en dépit d'une indéniable subtilité. Deux singles en locomotives de cette fusée en partance pour la lune. Air n'en demandait pas tant. Deux arbres cachant une forêt autrement plus intéressante. Sur fond de voix électriques, accompagnées de guitares lentes et discrètes et de paroles minimaliste, Air invente quelque chose. De la musique spatiale. Air fait de la musique spatiale. Il n'y a pas meilleure adjectif pour désigner cet album au titre décidément bien choisit. Bons princes, JB et Nicolas invitent quelques privilégiés dans ce premier voyage sur la lune depuis Apollo 17. Beth Hirsch qui sublime les mélodies en faisant des vocalises sur You Make it Easy et All I Need. Et David Whitaker en grand chef d'orchestre, arrangeur de cordes qui organise la musique des français. Melody Nelson n'est jamais loin, mais malgré la somme d'influence colossale qu'ils brassent le duo arrive à en faire sortir quelque chose de nouveau. Tels des architectes sonores.

Aucun titre n'est dispensable. Pourtant on ne retrouve pas le génie de La Femme D'argent jusqu'à Ce Matin là. Sublime ode à la ville ou à la campagne - c'est au choix - ce titre parfait à la beauté fatale repose et transporte. Une mer de la tranquillité en quelque sorte. Une autre trouvaille de Air. Le vocodeur. Curieux instrument déformant les voix. Le groupe va le sortir du placard. Personne n'en avait utilisé depuis bien des années. Remember -"Remember together/Souviens toi/Ce jour là toi et moi" Des paroels riches et complexes!- et Kelly Watch the Stars profite donc de cette géniale re-découverte. Mais le voyages est turbulent. On retrouve quelques trous d'Air(s). Talisman et New Star in the Sky. Titre moins enlevés et réjouissant que le reste. Malgré ces turbulences, Moon Safari reste le meilleur album de groupe. Certains préfèreront le psychédelisme naissant des Virgins Suicides ou les expérimentations sonores de 10.000 Hz Legend mais Moon Safari reste un témoignage inestimable. Un album qui marque un changement d'époque et qui enterre tout le monde, l'album ultime de la French Touch. Chacun a son Moon Safari mais dans tout les cas, plus beau sera le périple plus dur sera le retour sur Terre.

Et quand l'odyssée arrive enfin à son terme, Air tire sa révérence sur un ultime instrumental magique. Le bien nommé Le Voyage de Pénélope. Nous sommes Pénélope. Moon Safari. Notre voyage.

1. La Femme D'argent
2. Sexy Boy
3. All I Need
4. Kelly Watch The Stars
5. Talisman
6. Remember
7. You Make It Easy
8. Ce Matin-là
9. New Star In The Sky
10. Le Voyage De Pénélope

Sortie 19 janvier 1998
Durée 43:51
Genre(s) musique électronique
Producteur(s) Air
Label Source/ Virgin Records

Radiohead - Ok Computer

2008-02-14T18:06:00.013+01:00

Ok Computer. Il y a de ces albums qui marquent à vie. Laissant une trace indélébile. Ces albums qui au delà d'être une référence reconnu de tous sont vos albums. Intime. Personnel. Malgré leur caractère presque biblique. Ok Computer signifie tellement de choses. Le coup du grand album donc. Encore. 11 ans déjà. Même pas mort. Toujours à tourner sur notre platine. Le disque du siècle?

Pourtant qui aurait cru quelques années auparavant que Radiohead aurait un jour pu sortir ce disque ? Le quintette aurait pu être le groupe d’un tube. Creep. Un déferlement sur les ondes. Un jouet devenu incontrôlable qui a vite fait d’ensevelir le groupe. Comme quelques années années avant le Smell Like Teen Spirit de Nirvana. Le meilleur moyen de couler un groupe. Radiohead va se montrer subtil. Va enterrer ce hit. Rebondir plus loin. Plus fort. Ce sera The Bends en 1995. Un rock taillé pour les stades. Un succès qui ne plaît guère à Yorke. Pourtant. C’est un mal nécessaire. Après la tournée qui s’en est suivie Parlophone donne carte blanche au groupe. Radiohead a gagné son duel avec les majors et les médias. Il va pouvoir enregistrer l’album qu’il souhaite. Un manoir anglais du XVe. Le groupe. Nigel Goodrich aux manettes. Tout électronique est dégagé. Seule compte la musique. C’est dans cette ambiance flippante qu’est enregistré ce disque. Un univers froid et hostile. Tout comme l’album en lui même. On rentre donc dans le temple. A l’entrée on nous donne un Airbag. En prévision de la tempête qui arrive ? Un riff simple. Menaçant. On retrouve peut-être quelque chose de The Bends . Le son est pourtant différent. Plus travaillé. Plus mature. Aidé par la production parfaite de Nigel Goodrich. La rythmique métronomique de Phil Selway fait son effet. Johny Greenwood et Ed O’Brien mettent en place leurs guitares. L’esprit est angoissant. Mais pourtant. On se sent bien. C’est là tout le paradoxe de Radiohead. L’ambiance n’est jamais chatoyante. Plutôt hostile. Repoussante. Mais on est attiré. Presque bercé. Le morceau suit son cours. Une alternance Couplet/Refrain classique. Puis sur sa fin le morceau s’accélère. Se désintègre. On brûle à l’approche de l’atmosphère de la planète Radiohead. Un final noisy et agressif. On est arrivé. L’épopée peut commencer.

Une montagne se dresse déjà devant nous. Paranoid Android. Premier single. Imposé par Radiohead à Parlophone. Une tentative d’échapper à la radio et à sa dictature des formats. Une odyssée à l’intérieur de l’album. Menée par la guitare de Greenwood. Elle est triturée. Dans tout les sens. Alliant habilement arpèges, acoustique et distortion. “Please could you stop the noise, I’m trying to get some rest”. La chanson décolle. Grimpe. Paranoid Android est une chanson complexe. Nihiliste et noire. Puis c’est le déchainement. Le rythme s’accélère. La charge est lancée. “Why don’t you remember my name ?” La voix de Yorke hurle. Les guitares attaquent de tout les côtés. On est cernés. On ne peut plus résister. Alors on fuit.

Une rupture.

On plonge dans l’eau. Une eau glacée. Tentant d’échapper à cet univers oppressant. “Rain down, rain down/ Come on rain down on me/ From a great height”. Puis on est rattrapé. Le titre repart. Atteint une nouvelle fois les sommets. Nous lessive. Avant de nous jeter en pâture au reste du monde. Car que l’on ne s’y trompe pas. Ok Computer est un album difficile. Il faut une nombre d’écoutes considérable pour arriver à saisir toutes les émotions qu’il peut procurer. Car oui. Le disque regorge d’émotions. Belles. Complexes. A l’image de leurs auteurs. Les pensées noires qui parsèment Ok Computer font penser a un Pink Floyd névrosé. Sparklehorse en plein cauchemar. Mais, au-delà d’exprimer des émotions humaines, Ok Computer décrit la société. Notre société. Robots, police de la pensée, stress et effets de masse sont des thèmes dominants. En témoigne cette fabuleuse course entre l’homme et la machine dans le clip de Karma Police. L’artwork de l’album, splendidement mis en scène par l’énigmatique Stanley Donwood, reste mystérieux. Pourtant, on en distingue rapidement les lignes de force. Toujours les mêmes thèmes. Obsédant. Yorke va même jusqu’à supplier les extraterrestres de l’emmener vers un monde meilleur dans Subterranean Homesick Alien. Toute cette haine que le groupe exprime envers notre monde culmine dans Filtrer Happier. Interlude délirant décrivant la vie trop rangé, trop "comme il faut" que les individus vivent. “Eating well (no more microwave dinners and saturated fats)/ A patient better driver/ A safer Car ( baby smiling in back seat/ Sleeping well (no bad dreams)/ No Paranoia”. C’est cette sensation de mal-être, qui donne à l’album ce côté si particulier. Cette sensation d’étouffement atteint par deux fois son paroxysme. Exit Music (for a film) tout d’abord. Une grande ballade. Un morceau superbe. Dépouillé. D’un noir d’encre. Le morceau lui-même décrit une fuite. C’est exactement ce que l’on ressent. On s’échappe. On est dérobé à la réalité. La voix fragile de Thom Yorke entraine le morceau. “Wake from your sleeps/ The drying of your tears/ Today we escape”. Radiohead frappe juste. Toujours. Le décor se met à changer. La voix de Thom se fait menaçante. Les guitares croisent le sabre. La route est barrée. Enfin le morceau redescend. “We hope that you choke that you choke/ We hope that you choke that you choke/ We hope that you choke.. that you choke”. Cette voix qui glace le sang....

Mais Radiohead a tout compris. Ils remettent ça. Climbing up the Walls. Mais cette fois-ci on ne triche pas. On ne triche plus. Pas un moment de répit. Une atmosphère écrasante. Dès les premières mesures on tente de fuir. Une nouvelle fois. Mais une logique implacable nous accable. La tension monte encore. Jusqu’à l’insoutenable. Les murs se referment. Claustrophobie. Puis c’est l’explosion. Pour le première fois la voix de Yorke hurle plus qu’elle ne chante. Un cri qui nous donne la chair de poule. Glacial. Superbe. Puis on ne sait plus qui des guitares ou de la voix crient. La tension retombe. La vertigineuse descente vers les abîmes s’achève enfin. Lentement. On est mis à nu. Grandiose vraiment. Radiohead est aujourd’hui un des seuls groupes capable en une chanson de procurer de telles émotions. De toucher juste la où il faut. Ok Computer est un album de contraste. On l’a dit. On le sait. Après un Exit Music poignant ou ce Climbing up the Walls éprouvant, on passe aux calmes Let Down et No Surprises. Verdoyantes plaines après les grottes et les canyons. Enfin libérés. Singles beaucoup plus évident en dépit de la complexité et de la subtilité de leurs architecture. Pourtant rien n’est jamais totalement calme. Le clip de No Surprises nous renvoie à ces sensations d’enfermement. La tête de Yorke dans un bocal. L’eau qui monte. Doucement. Et qui se vide. Juste avant l’asphyxie. Belle allégorie du sentiment qu’éprouve les cinq membres du groupes. Bien sûr Radiohead doit beaucoup. Au 1984 d’Orwell et autres inquiétantes dystopies qui forment sa trame narrative. A Nick Drake, Pink Floyd et autres Joy Division pour le côté musical. Mais avec Ok Computer , Radiohead touche au sacré. C’est maintenant à son tour d’inspirer des générations entières. Des groupes d’horizons divers qui doivent tous quelque chose à Radiohead. De Midlake à Tv on the Radio en passant par Coldplay et Air. Ok Computer est plus qu’un album. C’est un manifeste capital. Ouvrant des horizons infinis au groupe. A la musique des 90’s et 00’s toute entière.

Mais dans tout cela ne réside toujours pas LA réponse. Pourquoi on aime tant ce disque ? Car c’est un disque humain. S’adressant directement à nous. Touchante. Une prairie. A chaque écoute re-découverte. Comme si on était les premiers à l’explorer. La bande son d’une vie. En réponse à la question rhétorique du début d’article, je réponds. Finalement. Oserai je ? Oui. Ok Computer est bel et bien l’album du siècle !

Airbag
Paranoid Android
Subterranean Homesick Alien
Exit Music (For a Film)
Let Down
Karma Police
Filtrer Happier
Electioneering
Climbing Up the Walls
No Surprises
Lucky
The Tourist

Sortie 16 Juin 1997
Enregistrement Somerset, Angleterre, Janvier-Avril 1997
Genre Rock?
Durée 53 minutes 30
Producteur Nigel Goodrich
Label Parlophone

The Raveonettes - Lust, Lust, Lust

2008-02-12T15:20:00.001+01:00

Depuis les États-Unis qu’ils ont préféré à leur Danemark natal, le duo le plus sexy de la planète revient avec une suite du Pretty in Black de 2005. Voix Blanches, guitares saturés et lunettes noires. Toujours à deux. Les Raveonettes sont de retour !

Lust, Lust, Lust donc. On est tout de suite en droit de se poser la question. Le duo noisy peut-il se renouveler ? Car même si le précédent opus était impressionnant de maitrise, la formule commençait à s’essouffler. Toujours les mêmes influences à mi chemin entre le Velvet et My Bloody Valentine. Des pop songs 60’s noyés dans un déluge de guitares saturés. Le tout toujours contrôlé. On a un peu peur. Peur que la formule soit arrivée au bout. Peur de l’ennui. De la lassitude. Les danois ont toujours été plus ou moins boudés par le public. Et pour cause. Il faut rentrer dans cet univers décalé, trouble, sombre. Un univers très référencé également. On se prépare. On plonge dans ce disque.

Les premières notes de Aly Walk with Me nous rassurent. Cette ballade hypnotique qui ouvre l’album offre un concentré de génie. Un rythme lent, oppressant et lascif qui nous plonge dans l’ambiance. La voix à la fois inquiétante et angélique de la très jolie Sharin Foo en fait une chanson presque irréelle. L’univers du despote et leader Sune Rose Wagner est retranscrit à merveille. Des influences digérées. Le duo aurait pu se contenter d’en faire la somme et de les recracher telles quelles comme le font la plupart des groupes actuels. Cela aurait été correct et personne n’aurait crié au plagiat. Tout l’album est baigné dans ce savoureux mélange entre pop et noise. Ces 12 titres aussi sexy qu’addictifs sont un vrai régal. Lust, Lust, Lust pourrait être la parfaite bande-son d’un film noir. Sombre et homogène. Incroyablement classe. Une esthétique à tout épreuve. Dans ces conditions, difficile de faire des titres qui se détachent du reste. Difficile de faire des titres à fredonner sous la douche. On retiendra pourtant le franchement pop You Want the Candy, logique premier simple, tellement addictif. L’ensemble sonne incroyablement rétro. La production volontairement bâclée. Un vrai groupe indie les Raveonettes. Ne s’étant jamais extrait de cette sphère. Un groupe incompris aussi. Un univers et une musique qui peuvent sembler inaccessibles. Il serait pourtant presque criminel de ne pas sombrer au charme du somptueux Expelled From Love. Un titre rêveur. Une ballade calme. Des voix froides. Le tout dans une ambiance glaciale et inquiétante. On se croirait marchant par une froide nuit dans une immense forêt. Baigné dans un épais brouillard.

L’album entier repose sur ce contraste entre ballades enchanteresses et larcens de guitares qui nous fait siffler les oreilles. La charmante voix de Sharing Foo en fil conducteur. C’est ce saisissant contraste qui rend cet album si passionnant. Si particulier aussi. Les mélodies sont parfaites. On voyage entre les jouissives explosions soniques de Blitzed et les nappes vaporeuses de With my Eyes Closed. Disque noctambule par excellence, Lust, Lust, Lust est un album qui se savoure la nuit. Le plus tard possible. Entre rêves et réalité. Terre et ciel. Les titres défilent. Le duo peut être fier de lui. Sans changer de registre il arrive pourtant à se renouveler. Le disque n’est jamais ennuyeux ni répétitif. Sexy et mystérieux. Peut-être moins sombre que son prédécesseur, Lust, Lust, Lust n’en reste pas moins un disque trouble. Phil Spector et son fameux Wall of Sound n’est jamais loin. Le duo a d’ailleurs invité l’ex-femme du producteur cinglé sur son précédent opus. Charmeur et pas aussi prétentieux que ses auteurs. Sans être impressionnant musicalement ni prodigieux au niveau du songwritting, ce disque est pourtant l’album parfait. Il ne possède aucun défaut. Pas un seul titre dispensable. C’est juste une formidable épopée au charme ravageur. Quand enfin le disque tire sa référence comme il avait commencé, par une dernière lancinante ballade, The Best Dies, on est obligé d’applaudir. Les Raveonettes viennent de signer, et de très loin, leur meilleur album. L’effet de surprise en moins. La classe en plus.

Aly, Walk With Me
Hallucinations
Lust
Dead Sound
Black Satin
Blush
Expelled From Love
You Want The Candy
Blitzed
Sad Transmission
With My Eyes Closed
The Beat Dies

Sortie 21 Novembre 2007
Enregistrement 2007
Producteur Sune Rose Wagner
Genre Noise Pop
Label Fierce Panda Record

The Beatles - Sgt Pepper Lonely Hearth Club Band

2008-02-09T18:17:00.000+01:00

Ah, les Beatles. Au début, c'était surtout des singles bien goupillés et un plan marketting béton. Et puis en 1965, c'était dans le vent, ils décidèrent d'aller plus loin dans leur son et sortirent Rubber Soul, premier véritable album ou tout le monde imposait un songwritting du jamais-vu. Une nouvelle maturité, une nouvelle base, plus d'envergure, plus d'ouverture pour le futur. En 1966, Revolver flingue tout. Approfondissement d'un son unique sur la pente dressée par Rubber Soul. Les Beatles planent largement au-dessus du monde. Tout le monde envoie ce qu'il a de meilleur entre Harrison avec son Taxman qui attaque d'entrée, Paulo avec son fabuleux Eleanor Rigby, Lennon avec Tomorrow never knows...Bon, en 1966, les Beatles, c'est l'empire, la dictature musicale, ils pouvaient pas aller plus loin que Revolver. C'est simple, si leur discographie s'arrêtait à cette pochette qui pue l'acide, ils resteraient quand même les plus grands.

Alors quand on en est à ce point-là dans le cosmos, on fait quoi?
Une rupture.

Les gars, on arrête les concerts et on vous lâche un nouveau trip.
Après 2 ans à améliorer le son, il fallait bien trouver autre chose. Ça sera donc Sgt Pepper.
Bon, histoire d'introduire la suite, les Fab lâchent en février (67 donc) le single Strawberry Fields forever/Penny Lane, la chanson titre étant signée Lennon. Et pour ceux qui s'indigneraient du sort de Penny Lane en face B, sachez que la sacro-sainte compo de Paulo (peut-être sa meilleure, enfin sa plus représentative) sortit quelques temps plus tard en single. Peut-être trop avant-gardiste, trop déconcertant, Strawberry Fields Forever ne décroche pas la timbale.

En studio, c'est la guerre. Le Paulo est de tout les fronts (il a composé les 2/3 de l'album), balançant des cordes ici, des trompettes là...derrière, le Lennon reste en seconde ligne, en renfort, le LSD à portée de main. Georges Martin devient l'esclave de tout ce bordel.
Jusqu'à ce que la bête sorte de l'écurie de Abbey Road. Et c'est la révolution. Les Beatles sonnent comme une surcroissance psychédélico-schizophrénique d'eux-même.
Le son exulte. A l'époque, Leur œuvre fait l'effet d'une rupture sans précédent dans le monde de la musique. Les Beach Boys peuvent aller se rhabiller et les Stones vont mettre 1 an avant de s'en remettre. J'insiste, cet album a profondément marqué son époque.

C'est qu'il a du panache ce Sergent poivre. Mais paradoxalement, ce disque qui sonnait comme le plus neuf, le plus avant-gardiste en 1967, sonne aujourd'hui plutôt vieilli. Enfin, mal vieilli.
Comme une poupée surmaquillée qu'on sortirait du grenier, le vernis craquelant, en la filmant avec une des toutes premières caméras couleur. La première fois que j'ai écouté cet album, je me suis dit que les Beatles ne valaient finalement pas plus que des freaks anglais bien rôdés sur leur époque. Et puis ya ces morceaux qui sortent un peu de nulle part, cette excitation absurde peut-être typiquement anglaise, ou typiquement Beatles, (Good morning Good morning ou l'hystérie façon Mc Cartney sous coke...les Klaxons quoi, ou cette ouverture faussement glorieuse entonné par Lennon qu'est Sgt Pepper...), qui relèvent un certain second degrès très appréciable pour un groupe de cette envergure. Sont pas aussi snobs que les Pink Floyd les Beatles, au moins. Les tons donnés par cet album sont certes étonnants, et il y a tout de même 4 compos qui ont bien tenu le coup (With a Little Help from my Friends, Lovely Rita, Lucy in the Sky with Diamonds et A Day in the Life, LA chanson total concept), mais l'ensemble est assez lourd, tant la production est dense et les chansons indigestes (Within You Without you de Harrison, quelque peu chiant, ou Being for the Benefit of Mr .Kite, de Lennon, totalement allumé à la guirlande de fête foraine).

Alors si l'on regarde dans leur discographie entière, Sergent Pepper's lonely hearts club band, c'est l'excroissance dégénérante super colorée au LSD et à la trompette pleine de sucre Beatles super sucré dans la sourdine, le tout dégoulinant de marmelade de violons pour quitter la maison. Presque écœurant. Mais album nécessaire. L'effet de surprise tout blanc du suivant n'en sera qu'accumulé. Reste la pochette, symbole d'une suprématie largement acquise à ce moment-là précis de leur histoire. Normal, ils étaient des demi-dieu, que voulez-vous que je vous dise? Et reste à savoir pourquoi il manque Gandhi et Hitler.

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
2. With A Little Help From My Friends
3. Lucy In The Sky With Diamonds
4. Getting Better
5. Fixing A Hole
6. She's Leaving Home
7. Being For The Benefit Of Mr. Kite!
8. Within You Without You
9. When I'm Sixty-four
10. Lovely Rita
11. Good Morning, Good Morning
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (reprise)
13. A Day In The Life

Sorti 1er juin 1967
Enregistré Grande-Bretagne
Producteur George Martin
Genre Rock Durée 39:43
Label Parlophone

Une chronique un peu daté du Sergent Poivre qui achève le transfert des articles de l'ancien blog. J'avais quelque peu oublié celui-là....mea Culpa

Blur - Think Tank

2008-02-05T17:17:00.001+01:00

Souvenez vous. J'ai déjà parlé de Damon Albarn ici. J'avais déjà fait part de mon admiration pour le bonhomme. Je le reconnais. Cela flingue l'objectivité de toutes les chroniques que je pourrai écrire à l'avenir sur Damon et ses side-projects. Mais pourtant. Think Tank. A ce jour le dernier album de Blur. On le sait déjà avant que sorte cet album, Blur a changé. Depuis 1997 en fait. Depuis ce fameux album éponyme. Puis 13 enfonça le clou 2 ans plus tard. Lassé des errements brit-pop. Avide conquérir un public nouveau. Plus ténébreux. Blur s'est assagi en quelques sortes. Laissant la concurrence brit-pop loin derrière. Alors forcément. Forcément, l'abandon des tubes à la Boys & Girls ne plait pas à tout le monde. Graham Coxon exprime dès le début de l'enregistrement de 13 des doutes. Il craint que la direction prise par le navire Blur ne soit pas celle qu'il désire. Les séances de Think Tank -commencées en 2001- sont encore plus hachées et houleuses que celle de son prédécesseur. Coxon part voguer en solitaire. Définitivement. Albarn veut prolonger le chemin construit par Blur et 13. Entre temps, le bonhomme a mené des projets parallèles. Mali Music tout d'abord. Puis Gorillaz. Son inattendu carton. Albarn souhaite intégrer dans Blur ce qu'il a tiré de ses nouvelles expériences. En 2003 sort donc Think Tank.

Le premier titre met dans l'ambiance. Ambulance. Titre sinueux. Moins facile encore que les dernières réalisations du combo. Le son est crasseux. Un saxophone qui se ballade. Une puissante basse. Oui. Blur a définitivement changé. Out of Time. Le premier single. Une claque. Le titre est comme son titre l'indique hors du temps. Dans tout les sens du terme. Une délicate mélancolie rétro s'en échappe. Le chant de Albarn est sublime, transcendé. Le refrain offre un lucide regard sur la société d'aujourd'hui And you've been so busy lately/That you havent found the time/To open up your mind/And watch the world spinning gently out of time. Un chef d'œuvre. Puis la blague. Crazy Beat. Une plaisanterie comme seul Albarn sait en faire. Qui de suite nous fait descendre du fragile nuage dressé par ce début d'album. Honnêtement, un titre affreux. Un voix de canard funkoïde. En plus d'être horriblement mauvais ce titre est complètement décalé par-rapport au reste de l'album. Albarn qui nous regarde depuis le nuage sur lequel il est resté perché en rigole encore. Mais tout cela est vite rattrapé. Good Song. Encore un titre à la beauté fatale. On ne reste pas en ligne droite sur les titres de Think Tank. Toujours un virage placé qui nous oblige a rester attentif. Comme une route de montagne. Jamais. Jamais le pilote automatique n'est déclenché. Les paroles de ce titre confirment ce que Out of Time laissait entrevoir. Ce titre est peu être plus optimiste. Tv's Dead/And there ain't no war in my head. Miroir inversé de notre société? Albarn nous laisse en tout cas pour la première fois un disque presque politique. Critique en tout cas. Sur la société contemporaine. Ses abus. Ce qu'elle est devenue. De bout en bout cet album sent la défaite. A plein nez. On the All Way to the Club. Les influences de Gorillaz se font plus claires sur ce titre. Tortueux. Laissant apparaitre ses influences dub. La partie chantée, bien que courte est poignante. A donner des frissons. Vient ensuite Brothers & Sisters. Sa rythmique hypnotique. Toujours l'électro-pop de Gorillaz. We're all drug takers nous scande Albarn. On se sent oppressés. Presque enfermés. Un moyen de transmettre le résignation de son auteur? Un nouveau changement de décor. Caravan. Un titre rêveur. Un calme somptueux. La son est voluptueux et luxuriant. Une fuite.

Puis Albarn nous refais le même coup fumeux. Une nouvelle plaisanterie. On tombe de notre refuge en coton timidement construit. Un faux hymne punk. We've got a file on You. Ils jouent avec nos nerfs. Sauf que cette fois le groupe a compris. Les plaisanteries les plus courtes sont les meilleures. En 1 minutes et 30 secondes, la plaisanterie de mauvais gout prend fin. Maintenant le reste de l'album ne sera qu'un long et exigüe chemin à l'intérieur de l'esprit de Albarn. Car sur13 il devait encore composer avec Coxon. Mais ce dernier parti il se retrouve seul maitre à bord. Dirige sa barque comme bon lui semble. Moroccan People Revolutionnary Bowls Club poursuit le disque. La chanson est au moins aussi barré que le titre. Le titre rempli de sons bizarres nous donne une idée du trajet que Albarn a parcouru depuis les premiers albums de Blur. On ne devient pas musicien, dit-il c'est un but inaccessible mais le voyage est passionnant. Oui un voyage. C'est peut-être ce que nous propose Blur dans cet album. Dépaysant. La douceur des ballades de Think Tank est incomparable. Sweet Song est dans cette veine. Toujours ces textes pessimistes. Glacials et réalistes. All our lives on TV/ You Switch off and try to sleep/ People get so Lonely. Calme et classieuse Sweet Song accompagnera vos pluvieux après-midi de Janvier et vos étoilées nuits d'été. Albarn continue de nous hisser au sommet avec le très jazzy Jets. Son unique vers tournant en rond - Jets are commets at Sunset - on se laisse bercer. Puis au milieu de la chanson sorti de nulle part...un solo de saxophone. Le sourire au coin des lèvres. Rien n'était moins attendu que ça. Ils on gagnés. Gene by Gene quand à lui nous prépare à l'assaut final. Battery in your Leg. This is a Ballad for the Good Times nous chante Albarn dans un son pour un fois clair.

On arrive au sommet. Au bout du voyage. A l'heure ou l'ombre menaçante du split plane une nouvelle fois sur Blur on peut considérer Think Tank comme l'œuvre de musiciens accomplis. L'œuvre d'un Damon Albarn faisant la somme de ses influences avant de donner un nouvel élan à sa carrière. Mélancolique puis tour à tour oppressant et poignant, parfois même inquiétant, Think Tank est l'image de la société vu par Albarn. Cela pourrait bien être aussi la parfaite bande-son de ce début de 3e millénaire. "Le voyage est passionnant". Albarn est grand.

Ambulance – 5:09
Out Of Time – 3:52
Crazy Beat – 3:15
Good Song – 3:09
On The Way To The Club – 3:48
Brothers And Sisters – 3:47
Caravan – 4:36
We've Got A File On You – 1:03
Moroccan Peoples Revolutionary Bowls Club – 3:03
Sweet Song – 4:01
Jets (Albarn, James, Rowntree, Mike Smith) – 6:25
Gene By Gene – 3:49
Battery In Your Leg (Albarn, Graham Coxon, James, Rowntree) – 3:20

Sortie 5 mai 2003
Enregistrement Mars 2002 - Novembre 2002
Genre Alternative
Durée 47 minutes 58
Producteurs Blur, Norman Cook, Ben Hillier, Norman Orbit
Label Virgin/Parlophone

Television - Marquee Moon

2008-02-01T18:31:00.000+01:00

C'est une idée répandue.C'est une idée répandue que la scène punk anglaise a été de meilleure qualité que celle de New York. Clash et Pistols d'un côté. Suicide et Ramones de l'autre. Pourtant la réalité est tout autre. 1977 donc. Année destroy. Année "No-futur". Année capitale aussi. White Riot et God Save the Queen sèment le chaos outre-manche. Mais de l'autre côté de l'Atlantique, la Grosse Pomme n'est pas en reste. Le CBGB. Haut-lieu de la contre-culture new-yorkaise. Théâtre de la réponse américaine à la déferlante anglaise. Des concerts sulfureux. Les amplis à fond. Les guitares désacordées. Drogues et décadence. Puis une poignée de groupe. Ramones, les vétérans de Suicide, la poétesse-punk Patty Smith, Blondie, les Talking Heads, les poupées trash des New York Dolls et Television donc. Le moins punk des groupes punks. A la base, deux guitaristes de génie. Richard Lloyd et Tom Verlaine. Puis un 45 tours. Sorti dès 75. Little Johny Jewell. 14 minutes réduites à 7. Lloyd ne veut pas d'un single aussi long. Lou Reed himself essaie de convaincre Verlaine que c'est un suicide commercial. Le Lou en connait un rayon depuis Berlin. Verlaine persiste. Il ne s'en vendra même pas 2.000. Pourtant les prestation scéniques du groupes tapent dans l'œil des représentants d'Atlantic. A l'hiver 1975, Television pars donc pour un essai dans les locaux de la maison de disque. Mais sur place, une session est déjà en cours. Keith Richards mixant les bandes de Black & Blue. L'ingénieur du son est dépassé. Las, il demande au groupe de poser les instruments en studio. Mais les voix seront enregistrées depuis la cabine de contrôle. Forcément. Une fois que les dirigeants d'Atlantic viennent écouter le groupe, tout est déréglé. Refus poli. Le directeur d'Atlantic, Ahmet Ertegun dira à Lloyd "Votre musique vient d'une autre planète". La guitariste prendra ça comme un compliment. Il trouve ça cool dit-il. Un coup dans l'eau. Television ira finalement signé chez Elecktra responsable des brulots des Stooges.

En avril 1977 sort donc Marquee Moon. Le meilleur album de l'underground new-yorkais. Un album à la limite du Jazz parfois. Coltrane rôde. Mais pas un album punk. Television fait pourtant parti de la scène. Ils ont l'esprit punk. La musique non. Les morceaux flirtent avec les 10 minutes. Le disque est truffé de solo de guitares. Car oui. Tout Marquee Moon est contenu dans cette entrelacs de solo joués à l'endroit, à l'envers et parfois dans l'autre sens aussi. Ce duel de 6-cordes entre les deux solistes. Lloyd et Verlaine nous concoctent des mélodies en spirale d'une grande virtuosité. Preuve qu'il existe parfois de bons musiciens dans le mouvement punk. Le titre d'introduction, See no Evil - première des 8 charges de ce disque parfait- nous plonge de suite dans l'ambiance. Un riff hypnotique et c'est parti. Verlaine nous annonce la couleur "I get Ideas". Car oui Verlaine est avant tout un poète. Il reconnait lui-même qu'il ne sait pas chanter. Oui, d'entrée l'autre chose qui frappe c'est le chant. Il agresse. Se laisse le temps d'être apprivoisé. Le premier solo est lâché. Le disque est lancé. Puis l'hymne Venus et sa guitare lumineuse. Le son est clair. La rythmique sèche, mais efficace. Andy Johns, le producteur dépêché par Atlantic saigne encore plus le son. Tout est pris sur le vif. En live. Les musiciens eux-mêmes ne sont pas prévenus. Si Friction s'oublie peut-être plus facilement c'est pour laisser le temps de souffler avant le morceau éponyme. Le morceau central. Ce Marquee Moon de plus de 10 minutes. Tout part de ce riff simple. Répété à l'infini. Puis le morceau s'emballe. Tout s'enchaine. La batterie s'accroche. Puis le chant de Verlaine rentre en scène. Puis dès le refrain, la première salve est lancée. La guitare commence ses premières acrobaties. Le rythme s'accélère. Puis c'est l'explosion. Les deux 6 cordes s'emmêlent. Se cherchent. Se perdent. Partent dans des contrées inexplorées. Les riffs sont démontés, joués sans ordre. Le tempo s'accélère puis se ralentit. Les montagnes russes. Puis retour sur Terre. Sur le riff central. Verlaine achève I go out again . Puis on re-décolle. Le bien nommé Elevation. Sa rythmique entrainante. Frisson garantis. Puis la ballade. Le slow. Le magnifique Guiding Light -Do I, Do I? belong to the night? - une pause. Parfois naïve. Le plus souvent sereine et lumineuse. Puis Prove it. Le titre rappelle que le disque possède des relents du Punk. Incisif et simple. Dans l'esprit, le texte est plus engagé. Puis, le final. Torn Cutain. Les paroles sont ici plus nihilistes. Tears... tears rolling back the years/Years... Flowing by like tears/Tears holding back the years. Un dernier morceau de bravoure. On éteint la Televison.

L'album entier est magique. Aujourd'hui encore, quand on lui demande son secret, Verlaine répond nonchalant: "You know, it's just two guitars, one bass and one drums". La suite est connue. Un second album raté qui signe la fin de l'Adventure. Le groupe se sépare l'année suivante. Verlaine poursuivra une carrière solo. Le groupe se reformera en 1992 pour Capitol et laissera un album éponyme. Marquee Moon reste la grandiose marque dans l'histoire d'un groupe éphémère.

Une étoile filante. La plus belle de toutes.

"See No Evil" – 3:53
"Venus" – 3:51
"Friction" – 4:44
"Marquee Moon" – 10:40
"Elevation" – 5:07
"Guiding Light" – 5:35 (Lloyd, Verlaine)
"Prove it" – 5:02
"Torn Curtain" – 6:56

Sortie Avril 1977
Enregistrement A & R Studio, New York, 1976
Genre Art Punk
Durée 45 minutes 49
Label Elecktra
Producteurs Tom Verlaine/ Andy Johns

Weezer - The Green Album

2008-01-30T17:35:00.000+01:00

Avouons-le. On n'a jamais vraiment cru en Weezer. Avouons-le. On n'a jamais vraiment pris au sérieux Rivers Cuomo et sa bande. Avouons-le. Quand sort le Green Album en 2001 (en écho au Blue Album de 1994) on y croit encore moins. 5 ans. 5 ans ont passé depuis le superbe Pinkerton. De nombreuses rumeurs de split planent sur le groupe. Cuomo joue son tyran. La basse de Sharp se fait la malle. Les doutes se font encore plus persistants. D'autant plus qu'en 5 ans pas mal de choses ont changés. La brit-pop est partie. Strokes, Libertines et autres White Stripes sont les maitres du monde. Qu'importe. Tel un poisson à contre-courant. Weezer a toujours fait figure d'incompris. Il faut dire qu'aussi rien ne destinait ces 4 loosers étudiants à Harvard à devenir des pop-stars. Weezer s'inscrit dans une génération. Une génération de musiciens-loosers. Une génération d'anti pop-stars, tel Beck, Pixies ou Radiohead. Seulement voilà. Le quartet a beau ne pas avoir l'air de parfaites pop-stars, il y a déjà plus de 10 ans qu'ils nous assènent leur mélodies parfaites. Car oui. Cuomo possède ce sens inné de la mélodie.

En 2001 sort donc ce Green Album. Réponse à 5 ans de mutisme. Dès les premières mesures de Don't let go, on sait. On sait que cette bande de ratés n'a pas changé. Toujours salement doué pour la pop le Cuomo. Pourtant certains persistent à penser que Weezer n'est qu'une bande de faux-punks pour ados pré-pubères. Ils n'ont décidément rien compris. Il faut rentrer dans l'univers de Weezer. Son humour. Sa cinglante ironie. Jetez un œil par curiosité au livret. Une double page. Une photo. Le groupe sur scène. Triomphant. Un gros W ringard en arrière plan. Des confettis. Le second (quinzième?) degré est une composante du monde à Weezer. Côté musique, le quartet enchaine les tubes. Hash Pipe et son riff bien tranché. Les compos sont fraiches. Immédiates. L'esprit reste malgré tout très 60's. Simon & Garfunkel n'est pas loin. Cuomo est décidément hilarant. L'explication est peut-être à chercher dans les paroles Everybody wants a dream Something they can barely see. Voilà. Cuomo est un marchand de rêves! On trouve aussi du génie. Island in the Sun. La scie. Le single. Une chanson Beatles. Du moins dans l'esprit. Une bouffée d'air frais. Tout simplement géniale. Ses ridicules hip, hip. We’ll never feel bad anymore nous chante Cuomo. Ça c'est sur. Pas après ça. Une des plus grandes réussites du groupe. Puis à l'image de ce single on retrouve ici et là des guitares saturées. Hors sujet? Peut-être. Surtout représentatif d'une époque.

D'accord l'ensemble sonne de manière facile. Mais cet album vendu sous le titre power-pop n'a jamais demandé à être original. Puis la patte de Weezer est quand même facilement identifiable. Mélodies ciselées et textes simplistes à prendre avec des pincettes bien entendu. On pourrait également se plaindre de la durée. 28 minutes. En 5 ans. Oui, on a parfois l'impression que Cuomo se fout de nous. Mais Weezer n'est pas le genre à caresser son public dans le sens du poil. Le Green Album est leur manière de faire valoir leur désinvolture. Désinvolture qui leur confère une classe naturelle. On apprécie. Au final, Weezer nous laisse ce disque. A prendre ou à laisser. Sans compromis. Un bijou dans son genre. Loosers? Winners!

Don't Let Go– 2:59
Photograph – 2:19
Hash Pipe – 3:06
Island in the Sun – 3:20
Crab – 2:34
Knock-down Drag-out – 2:08
Smile – 2:38
Simple Pages – 2:56
Glorious Day – 2:40
O Girlfriend – 3:49

Sortie 15 Mai 2001
Genre(s) Power-pop
Durée 28 minutes 36
Producteurs Ric Ocasek
Label Geffen Records

Pink Floyd - Wish you Were Here

2008-01-29T19:06:00.000+01:00

Nous sommes en 1973. Pink Floyd, son fameux prisme et son côté obscur de la lune sont les maitres du monde. Le succès qui semblait se jouer d'eux depuis quelques années leur tend enfin les bras. The Dark Side of the Moon. Sa scie Money. Les anglais sont enfin propulsés tout en haut. Pink Floyd devient un dinosaure. Mais gare aux turbulences en revenant de ce voyage sur la lune. Plus dure sera la chute. Il faut maintenant se mesurer au monument qu'est devenu la face cachée. Retour en studio dès l'hiver 1974....

Il faut composer. Waters sent venir la démobilisation sur le flamand rose. Il va donc plus ou moins prendre la direction du navire. Aujourd'hui encore RoG le dit sans peine "si j'ai pris la direction du groupe, ce n'est pas par égoïsme, c'est par carences de leur part". Soit. Les premières tensions éclatent en studio. Wright s'accroche. Mason lâche, laisse la direction aux "autres". Pour la première fois il ne sera crédité que de ses percussions. Waters a donc l'idée de faire un disque sur l'absence. Et ne venez pas lui dire que ce disque est un hommage à Barett, il déteste ça. C'est à croire "que les journalistes connaissent mieux Syd que nous" dit-il. Ce serait selon lui un disque sur leur absence à tous. Oui une absence. Pourtant les références à Syd restent nombreuses. L'histoire ne raconte t-elle d'ailleurs pas que Barett trainait du côté d'Abbey Road durant les dernières sessions? "Tout le monde se demandait qui était ce drôle de gros oiseau mal rasé et au regard vide." Quelque part Barett n'a jamais vraiment quitté le Floyd. Mais voilà. En studio les compos n'avancent pas. Gilmour et Waters ne sont jamais d'accord. Ces accrochages rendent Wish you Were Here capital dans l'histoire du groupe. Passionnant aussi. On passe de l'époque ou tout le monde se tombe dans les bras à la domination Waters. Avouez qu'il commence plutôt mal ce disque sur l'absence. Pour le moment il risque surtout l'absence dans les bacs. Il faut dire qu'aussi les musiciens ne sont plus les mêmes. Finit les balbutiements dans les tournées de l'époque psyché. Le show-buisness aurait t-il ruiné les amitiés qui existent entre les membres de l'énorme machine que le Floyd est devenue? Bon. Résumons. L'absence. Les tensions et les idées noires. Parfait. Cet album sera donc plus sombre et plus sec que ses prédécesseurs. L'album aurait pu être bâclé. Sorti à la va-vite et aurait signé la fin du Floyd.

Il n'en sera rien. 4 notes de guitares. Une de synthé. Et si finalement il se terminait bien cet album de l'absence. Shine on You Crazy Diammond. Ok Waters nie. Mais ce diamant fou, n'est-ce pas Syd? Ce diamant qui se brule les ailes? Ou alors peut-être un message que Waters envoie. Car RoG n'est t-il pas lui aussi au bout du rouleau? Il le dit I'll be joining you there. Toujours est-il que ces 12 premières minutes de la pièce centrale de ce Wish You Were Here pourraient bien constituées la plus belle intro composé par le Floyd. Et la pochette. Que ce soit celle du vynile ou celle du CD. Cette communion en une poignée de main. Cet homme qui s'enflamme. La meilleure du Floyd. Puis viens Welcome to the Machine. Une mélodie de RoG bien sûr. 6 minutes. 6 minutes capital qui préfigurent ce que sera le son du Floyd. Ou plutôt le son de RoG puisque à l'avenir, Pink Floyd sera son projet. Critique acerbe de l'industrie du disque. Welcome to the Machine reflète bien l'esprit dans lequel Wish you Were Here a été écrit. Have a Cigar reste dans le même esprit. Désabusé. Le Floyd l'est. Dyptique d'une ironie mordante. We're so happy we can hardly count . Ces deux titres marquent aussi l'arrivée du synthé. On maitrise tout juste le nouvel outil. Sur-utilisé, le son lassa vite. Townsend et les Who en feront les frais. Puis retour dans des eaux plus calmes. Une superbe ballade. Wish you Were Here. Titre éponyme. Une des plus belles mélodies composée par Waters/Gilmour. Une des dernières aussi. Une mélodie pour l'éternité. 6 minutes de rêveries. Trop courtes. How I wish, How I wish you were here. Bon là ça suffit. L'hommage acide à Syd est clair. Peu importe ce qu'en pense RoG. Puis le disque s'achève. Le Floyd termine par le commencement. Et c'est donc reparti. Reparti pour plus de 10 minutes de Shine on You....Le titre est plus lent à démarrer. Il nous traine, nous emporte. Puis décolle pour retourner dans les cieux. Retourner vers Syd. Nobody knows where you are, how near or how far. Ce foutu disque de l'absence. Remarquez qu'il porte plutôt bien son nom. Avec lui c'est le Floyd entier qui part. Il ne sera plus jamais le même. Le Floyd à 4 cesse d'exister à la fin du morceau.

L'envol du Flamand Rose.....

1. Shine on You Crazy Diamond (Part One) (David Gilmour/Roger Waters/Rick Wright) – 13:40
2. Welcome to the Machine (Roger Waters) – 7:38
3. Have a Cigar (Roger Waters) – 5:08
4. Wish You Were Here (David Gilmour/Roger Waters) – 5:34
5. Shine on You Crazy Diamond (Part Two) (David Gilmour/Roger Waters/Rick Wright) – 12:31

Sortie 15 septembre 1975
Enregistrement Studios Abbey Road, janvier - juillet 1975
Genre(s) Rock progressif
Durée 44:28
Producteur(s) Pink Floyd
Label Harvest, EMI Columbia, Capitol

The Warlocks - Heavy Deavy Skull Lover

2008-01-26T21:40:00.000+01:00

Attention. Album noir. Album sublime. Oublier le parti pris mélodique de Suggery en 2004. Entre temps Bobby Hecksher s'est fait lâcher par tout le monde. Son groupe, sa maison de disque. Plongeon dans les amphés , dépressions. Hecksher est le leader déchu d'un groupe qui n'existe même plus. Qu'importe. Retour aux sources, le groupe signe sur le minuscule label indé Tee Pee. Dans ce Heavy Deavy Skull Lover, on ressent pleinement ce désarroi complet. Attention donc, avant de poser le disque sur la platine, l'auditeur doit être pleinement conscient de ce qui l'attend. Une plongée d'une heure dans des profondeurs abyssales. On n'écoute pas ce disque. On rentre dedans. En apnée.....

The Valley of Death, titre inaugural qui annonce le ton de l'ensemble de l'œuvre. Quelques notes de guitare et la voix de Hecksher qui murmure plus qu'elle ne chante. Le ciel est déjà noir. 5 minutes viennent de s'achever. On se réveille en sursaut. Ce n'est que le début de la chute. Moving Mountains, 11 minutes instrumentales qui montent crescendo, jusqu'à laisser l'auditeur cloué a son siège. Heavy Deavy Skull Lover fait l'effet d'un bad trip. Ce disque fait planer, malgré son écrasante noirceur. So Paranoid. It feels like death/ It feels like hell like hell, les paroles du morceau donnent une idée de ce que l'on ressent. Oui je sais, on pourrait appuyer sur Stop, arrêter d'écouter ce disque. Mais pourtant on continue, comme fasciné par cette épopée cauchemardesque. Car que l'on ne s'y trompe pas, Heavy Deavy Skull Lover est sombre, noir mais c'est un grand album. Malgré tout, pas une lueur d'espoir, Slip Beneath continue dans cette voie, un larcens de guitare, le chaos. Plus rien. Le vide. Les morceaux sont incroyablement lents, fatigués. Zombie Like Lovers est peut-être le seul moment ou le soleil transperce timidement les épaisses couches de nuages, de brouillard. Dreamless Days recadre le tout. Les vapeurs de ce titre nous transportent loin, tellement loin. Le titre s'étire à n'en plus finir. Il n'y a plus d'espoir c'est terminé. Il n'y a plus rien et justement le titre suivant, Interlude in Reverse est vide. Deux minutes d'expérimentations sonores. Deux minutes de larsen qui nous rappellent au combien la production relève de l'amateurisme.

Puis la dernière charge, Death, I Hear you Walking. Nous aussi. On entend la faucheuse arriver. Une morsure. Les dernières défenses sont terrassées. Un océan d'amertume. Tout est noir simplement. Hecksher a gagné. Fuckin' Warlocks!

1- Valley Of Death
2- Moving Mountains
3- So Paranoid
4- Slip Beneath
5- Zombie Like Lovers
6- Dreamless Days
7- Interlude In Reverse
8- Death I Hear You Walking

Sortie 23 Octobre 2007
Enregistrement 2006
Genre Rock Indé
Durée 50 mn 32
Label Tee Pee Records

The Good, The Bad & The Queen

2008-01-24T18:49:00.000+01:00

Damon Albarn est un personnage complexe et intéressant. Après avoir dominé les années brit-pop durant les années 90, il a bien vite quitté les strass et les scandales d'une vie qui ne l'intéressai surement plus. Il change alors la direction de son groupe d'origine Blur et sort un trio d'album (Blur-1997, 13-1999 et Think Tank-2003) qui dérouta les fans et enchantera la critique. Les expérimentations de 13 et les ballades de Think Tank ont bien vite prouvées que le frontman et bien plus doué et malin que ce que ses tubes de l'époque brit-pop laissaient entendre. Puis au début des années 2000, Albarn se lance dans l'aventure Gorillaz, mais le concept orignal acquis bien vite une dimension colossal, dont son auteur ne tardera pas à se délaisser. Arrivé a ce stade l'ancien seigneur de la brit-pop aurai bien pu sortir un album solo, aller produire l'album de ses copains ou encore réécrire le répertoire de Blur en moldave ancien, ça aurai marché et tout le monde aurait applaudi. Mais c'est mal connaitre le bonhomme.....

Il se lance donc dès 2004, dans une nouvelle aventure. Ce sera The Good, The Bad & The Queen, formation mystérieuse aux airs de dream team puisque outre Albarn, elle rassemble Simon Tong (ex-guitariste de The Verve), Paul Simonon (ex-bassiste des Clash) et Tony Allen mythique batteur africain, le tout produit par le multi-platiné Danger Mouse, déjà à la barre sur les albums de Gorillaz. Avec The Good, The Bad & The Queen, Damon Albarn brouille encore plus les pistes, loin de l'image de branleur des bords de la Mersey qu'il véhiculait au temps de Blur. Sur ces 12 chansons qui résonnent dans une grande et unique ballade Albarn brosse le portrait d'une Grande-Bretagne qui n'en finit d'agoniser notamment à travers cette pochette décrivant un Londres en feu. Cet album nous montre une Angleterre bien engoncée dans ses clichés traditionnels: pluie, froid, décadence et choc des cultures. Avec ce disque qui défile sans jamais lasser, Albarn nous offre une facette plus sombre de sa personnalité et se rapproche de ces songwritters mystérieux que sont Thom Yorke ou Mark Linkous. La voix d'Albarn rode, plane et nous transporte dans cette campagne anglaise mille fois fantasmée. Disque nostalgique par excellence, TG,TB&TQ est rempli d'influences diverses: de la ballade rétro-kitch, 80's Life et ses 3 notes de piano qui tournent en boucle, aux sonorités électroniques qui ne sont pas sans rapeller Gorillaz (Herculean, Three Changes) en passant par la nostalgie pessimiste de History Song, Albarn nous livre un disque cosmopolite qui fait éxho au melting-pot culturel britannique. Bien qu'usant du même esprit tout le long, cet album ne s'essouffle jamais, les ballades se succèdent, les minutes défilent plus on se dit qu'Albarn a une nouvelle fois gagné la partie. Le disque s'achève sur la chanson éponyme, titre bluffant de plus de 7 minutes qui offre une conclusion grandiose a cet album. 7 minutes de pure folie que le groupe fait doucement monté jusqu'à l'explosion finale. Albarn achève même sur une note plus optimiste "The Sun came out the clouds" annonce t-il, preuve que le chanteur croit encore à cette Angleterre qu'il aime tant et à qui il doit tout.

Disque atypique d'un songwritter atypique, cet album pourrait bien devenir la pièce maitresse de la discographie d'un Albarn décidément trop doué pour la pop. Il est sans conteste un des plus beaux manifeste pop sorti depuis le début de la décennie, dont les nappes vaporeuses continueront encore longtemps de hanter nos esprits.

"History Song" - 3:05
"'80s Life" - 3:26
"Northern Whale" - 3:54
"Kingdom of Doom" - 2:42
"Herculean" - 3:59
"Behind the Sun" - 2:38
"The Bunting Song" - 3:47
"Nature Springs" - 3:10
"A Soldier's Tale" - 2:28
"Three Changes" - 4:15
"Green Fields" - 2:26
"The Good, the Bad and the Queen" - 6:59

Sortie 22 janvier 2007
Enregistrement 2005–2006
Genre Rock Alternatif Durée 42:49
Producteur Danger Mouse
Label Parlophone-Honest Jons

The Strokes - Room on Fire

2008-01-22T19:21:00.000+01:00

Alors écrire sur Room on Fire en 2007/08? Oui, car l'heure est venu pour moi de défendre sur ces pages cet album souvent décrié souvent a tort, qui me tient particulièrement à cœur. L'objectivité n'est certes pas toujours là dirons certains, mais ce sont les choses telles que je les pensent.....

2003. Les White stripes gagnent la mise avec leur Elephant. De l'autre côté, l'Albion a répondu en envoyant les Libertines, sorte de réplique branleuse, saigante et punk des doux Strokes, avec un gout prononcé pour le scandale et l'excès. Tout l'inverse, quoi.....

Parlons-en des Strokes. Après le séisme causé dans l'industrie du disque en 2001 par l'inépuisable Is This It, premier opus du quintette new-yorkais, on est en droit de se demander si ils tiennent la route avec ce nouvel album, Room on fire. C'est qu'ils en imposent, Julian Casablancas et ses potes. Une large influence new-yorkaise, entre un gout prononcé pour Lou Reed et le Velvet Underground et des arrangements façon Television. Un songwritting sensible et imposant de sobriété. Des tubes par 5 sur le premier album. Un chanteur charismatique déchiré. Les Strokes sont le centre du monde du rock actuellement. Derrière la pochette, les 5 new-yorkais dans la nuit. La bande, la meute. Savamment défoncés. Moretti protégeant-cachant un Casablancas rêveur, façon Between the buttons avec Jagger et Jones.

Et ça commence avec "Whatever Happened", étrange morceau destructuré, satire sur le revers du succès. Julian crache qu'il veut être oublié. Toute réflexion faite, cette chanson préfigure implicitement le futur son des Strokes, ce grunge digital hybride genre "Juicebox" ou "Vision of Division" que suivront aussi des groupes genre les Arctic Monkeys avec leur "Brianstorm". Le songwritting s'est affiné. Ici, on change allègrement l'ordre couplet-refrain-pont en ponctuant le truc de solos généreux et bien goupillés. Je peux compter objectivement 6 singles potentiels. Les trois qui ont été choisis sont de petites merveilles. 12:51 brille par sa simplicité enfantine et sa guitare angulaire robotique façon Cars. Reptilia, c'est le riff imparable avec le solo presque new wave, peut-être, de loin, un autre exemple de ce préfigure la suite. The end has no end, exemple parfait de ce genre de petits morceaux jouissifs à la structure délirante.

Et puis d'autres pépites. Automatic Stop, étonnant de maturité dans les paroles et les arrangements. I can't win, une sorte de Someday un peu plus pessimiste clôturant l'album. Une petite incursion soul (Under Control), un délire Lou Reed (Between Love and Hate), et puis...et puis pas grand-chose. On a beau creuser, le son (à part 2 exemples cités si-dessus) de ce Room on Fire est sensiblement le même que Is this it. Toujours cette théorie du small is cool dans les arrangements et ce son super droit qui a pu en dérouter certains au début. On pourrait appeler ce disque "varations autour d'Is this it", avec en bonus 3 singles imposant de maturité dans la composition. Et puis, en revers du mérite des morceaux cités au-dessus, Casablancas livre quelques chansons assez inconsistantes qui plombent largement le rythme de l'album (You talk way too much, Meet me in the bathroom, The way it is). Mais on découvre au fil de cet album que sa richesse ne vient pas tellement des compos. C'est cette ambiance urbaine, parfois plombante (Reptilia), souvent plus légère (I can't Win) qui nous emmène droit a New-York. Car oui il faut bien se l'avouer, cet album est le plus new-yorkais des albums new-yorkais depuis les premiers Ramones ou Marquee Moon

Alors au final, on a droit à un disque avec une inconsistance au charme indéniable, entre pépites de 2 minutes jouissives et autres morceaux plus chiants...Ce sont des Strokes plus rêveurs, plus contemplatifs ici. Les mauvaises langues parleront de disque gueule de bois, redit d'un Is This it flamboyant. Mais qu'importe l'heure de la réhabilitation viendra.... Les fans soutiendront que Room On fire est le digne successeur de Is this it. C'est ça les Strokes. A l'heure ou l'on sort des disques tous aussi dingues que les autres,et qu'on attends que eux pour dire ce qu'il faut faire, les Strokes vous regardent nonchalamment et vous balancent Room on fire, l'insolence de ne pas être audacieux, et réussir son coup quand même. Autant cramer avec eux.

1. What Ever Happened - 2:54
2. Reptilia - 3:41
3. Automatic Stop (Casablancas, Hammond Jr.) - 3:26
4. 12:51 - 2:33
5. You Talk Way Too Much - 3:04
6. Between Love & Hate - 3:15
7. Meet Me In The Bathroom - 2:57
8. Under Control - 3:06
9. The Way It Is - 2:22
10. The End Has No End - 3:07
11. I Can't Win - 2:34

Sortie Le 22 octobre 2003
Enregistrement En 2003
Genre(s) Indie Rock
Durée 33 min 05 s
Producteur(s) Gordon Raphael
Label Rough Trade Records (Europe), RCA (Amérique)

Neil Young - Neil Young

2008-01-22T19:19:00.001+01:00

Commencer à écrire sur la carrière solo du Canadien n'est jamais facile. Par où commencer? Par le début peut-être. Neil Young guitariste hors pair, commence sa carrière en 1966 avec le groupe Buffalo Springfield composé notamment de Steven Stills qu'il retrouvera plus tard. Mais c'est à la suite d'un différent avec ce dernier que Neil Young quitte le groupe et décide d'entamer une carrière solo. Alors que reste t-il aujourd'hui de cet album, accueillit froidement par les critiques de l'époque et qui n'a jamais connu un réel succès?

Neil Young rentre tout d'abord en sutdio avec les chansons qu'il n'a pas voulu partager avec Stills et sa bande. C'est donc logiquement si il est rempli du folk très riche de Buffalo Sprigfield, la production de David Brings est très propre et ce dernier apporte une aide très précieuse au Loner. Malgrès tout, le son est crade, mais la délicatesse de la voix de Young fait à elle toute seule le charme de l'album. Album, qui reste très méconnu du grand public, et ce n'est pas toujours justifié. En effet, sans atteindre le niveau de ces successeurs et encore moins leur succès commercial, cet album possède un charme fou et les compositions sont de toute beauté (Here We are in the Years). Il a même des trouvailles ingénieuses telles ces chœurs féminins sur I've Loved her so Strong et un quatuor à cordes (que des violons il me semble) fait même son apparition sur certains titres. Ces expérimentations qui font la richesse de cet album éponyme, fondent aussi sa plus grande faiblesse. Eh oui, on sent qu'a cette époque le canadien cherche sa voie, tâtonne loin de son groupe d'origine.....

Pourtant malgrès ses quelques défauts, ce disque est dans sa carrière capital, il en tirera son surnom, The Loner, du nom d'une des chansons de l'album et prouvera, à lui-même plus qu'au public qu'il est capable d'avancer dans une carrière solo. Même si il n'est pas indispensable, ce disque loin de la grandiloquence de Harvest, de la colère d'After the Gold Rush ou de la noirceur de Tonight's The Night, est plus intimiste, plus calme et sera toujours agréable pour accompagner vos pluvieux après-midi de novembre auprès du canadien solitaire le plus célèbre de la planète........

1. The Emperor Of Wyoming
2. The Loner
3. If I Could Have Her Tonight
4. I've Been Waiting For You
5. The Old Laughing Lady
6. String Quartet From Whiskey Boot Hill
7. Here We Are In The Years
8. What Did You Do To My Life ?
9. I've Loved Her So Long
10. The Last Trip To Tulsa

Sortie 1969
Enregistrement 1968
Genre(s) Country-Folk-Rock
Durée 36:12
Producteur(s) Neil Young & Dave Briggs
Label Reprise Records

King Crimson - In the Court of

2008-01-22T17:04:00.001+01:00

Quoi de mieux pour commencer à parler du prog que de commencer par l'un des plus grands albums de ce genre. In the Court of The Crimson King, un album monumental, qui a tout du prog' même sa forme, des morceaux longs en petit nombre. Alors, cet album, si souvent chroniqué, encensé, que vaut-il?

In the Court of The Crimson King, premier album des britanniques de King Crimson, coup d'essai, coup de maitre. Généralement considéré comme l'acte fondateur du rock progressif (rien que ça), cet album est gigantesque, dans tout les sens du terme. On peut l'écouter 10.000 fois en trouvant de nouveaux détails à chaque écoute. 1969 donc, la fin est proche, certains l'évoquent déjà au passé. Il faut se renouveler, ne pas s'endormir sur l'héritage laissé par les anciens. La pop bat de l'aile, c'est l'aube des musiques progressives. Virtuosité, grandiloquence, noirceur, cet album et tout ce que ses contemporains ont toujours voulu faire sans jamais y parvenir. L'auditeur est parfois rebuté par cet album, cette pochette horrible sans aucune inscription, qui valu bien des curiosités, les mauvaises langues diront que cet album est surestimés, c'est qu'ils ne l'ont jamais écoutés, tant pis pour eux, tant mieux pour nous.....

Attention, dès le premier titre de l'album, on rentre en plein dans le délire du Roi Pourpre, 21st Century Schizoid Man et ses influences jazz forme le morceau le plus connu, le plus abordable du Roi Pourpre, c'est dire si ce groupe est calibré pour la bande F-M! Le titre d'après Epitath est le premier morceau clef de l'album, on assiste au début du mellotron dans cette mini-symphonie à la fois psychédélique et planante. Après ce détour au confins de la musique, King Crimson revient à des fondements plus pop, si on peut parler de ça. I Talk to the Wind est le titre le plus léger, le plus court, ballade magnifiquement soporifique où les instruments à vent tiennent le premier rôle. On pense immédiatement à Love. Vient ensuite le moment le plus controversé du disque, les 8 minutes de Moonchild, dont les 3/4 sont fait d'expérimentations instrumentales à l'intérêt discutable. Génie psychédelisque selon certains, arrogance a tout rompre selon d'autres, Moonchild ne laisse personne indifférent. Il aurait été dommage de terminer là-dessus et King Crimson va mettre tout le monde d'accord avec le dernier titre. Morceau marathon The Court of the Crimson King incluant The Return of the Fire Witch et The Dance of the Puppets, est le plus complexe dans sa cobstruction alliant passage plus calme et d'autres plus énervés. Transcendant, planant, enchanteur et décalé, ce dernier morceau est à l'image de l'album intemporel. Même sans rien n'avoir de commercial, cet album atteignit le top5 en Angleterre et la première place au Japon détrônant Abbey Road. Pour une fois le public avait tout compris. Ainsi naquit le Prog'.....

1. 21st Century Schizoid Man Including Mirr
2. I Talk To The Wind
3. Epitaph Including March For No Reason An
4. Moonchild Including The Dream And The Il
5. The Court Of The Crimson King Including

Sortie 10 octobre 1969
Enregistrement juin - août 1969
aux Wessex Sound Studios (Londres)
Genre(s) Rock progressif
Durée 43:54
Producteur(s) King Crimson
Label Atlantic

Johny Cash - Live at San Quentin

2008-01-22T15:15:00.001+01:00

Alors, tout d'abord pour commencer, je tiens a préciser que mes connaissances concernant Cash restent superficielles, j'ai en effet découvert le bonhomme il y a quelques mois, par le biais de ce live. Donc même si Cash n'est pas un modèle pour moi et que je n'aime pas tellement commenter les Live, je dois dire que pour celui-là je vais devoir faire une exception.....

Tout d'abord, il faut souligner la relation étrange qu'il existe en Cash et les prisons. Son passé tumultueux lui aurait valu plusieurs séjours derrière les barreaux et sa meilleur vente à la fin 1968 est son autre live pénitencier le Live At Folsom Prison, dont le succès populaire qu'il remporta surpris autant son auteur que sa maison de disque. 1969 donc, la carrière de Cash atteint son apogée. Sa maison de dsique flaire donc le bon coup et décide d'aller installer Cash dans la plus vieille prison californienne. Le live de Folsom était bon, voir même très bon, mais celui de San Quentin lui sera en tout point supérieur, plus intense, joué avec certaine urgence qu'on ne retrouvera jamais. Pourtant le répertoire utilisé est calqué sur celui de Folsom Prison, emplit de chansons sombres et cyniques.......

Mais à San Quentin, l'accueil est peut-être plus étouffant, Cash arrive sur scène et lance un timide "Hello I'm Johny Cash". L'homme en noir reprend comme une évidence naturelle toutes les chansons liées à l'univers carcéral, Starkville City Jail, Wanted Man et le tant attendu Folsom Prison Blues. Cash aurait pu se contenter de la jouer comme à son habitude, c'était de toute façon gagner d'avance, mais il va en faire une version magique, intemporel, il se passe alors vraiment quelque chose parmi l'audience et aussi bien Johny que ses musiciens ou les prisonniers se rendent compte d'avoir assister à quelque chose d'unique, un frisson parcourt la foule..... Mais Cash ne s'arrête en si bon chemin et interprète la chanson qu'il a composé pour l'occasion, le bien nommé San Quentin. Le public est si c'est possible encore plus enchanté, il l'est tellement que Cash est obligé de la rejouer en y rajoutant le cultissime "San Quentin, puisses-tu pourrir et brûler en enfer". Le public est maintenant littéralement en transe et la sécurité craint un début d'émeute (Cash avait juré au directeur "Promis, on évitera l'émeute"), la nuit devient magique. Une fois l'atmosphère détendue par quelques titres plus tranquille, Cash offre aux prisonniers une nouveau moment unique, il décide d'achever son concert par un medley géant Folsom Prison Blues/I Walk The Line/Ring Of Fire/The Rebel-Johnny Yuma, unique, Cash touche chaque personne présente ce soir-là au plus profond de lui-même. Rideau, applaudissement, les matons s'agitent, les détenus discutent ("C'est vrai qu'il aurait tuer un mec à Reno juste pour le voir crever?"), Cash se retire conscient d'avoir donné une performance unique, intemporel qui aurait presque donné envie d'y être........

1. Big River
2. I Still Miss Someone
3. Wreck Of The Old 97
4. I Walk The Line
5. Darlin' Companion
6. I Don't Know Where I'm Bound
7. Strakville City Jail
8. San Quentin
9. San Quentin (bis)
10. Wanted Man
11. A Boy Named Sue
12. (there'll Be) Peace In The Valley
13. Folsom Prison Blues
14. Ring Of Fire
15. He Turned The Water Into Wine
16. Daddy Sang Bass
17. The Old Account Was Settled Long Ago
18. Closing Medley

Sortie 1969
Enregistrement 1969
Genre Blues
Durée 64:13
Label MCA Records
Producteur Sidney A. Seidenberg

Lou Reed - Berlin

2008-01-21T14:14:00.000+01:00

Alors parlons un peu de ce que Lester Bangs qualifia d'album le plus déprimant du Rock'n'Roll. Berlin est le troisieme album solo de Lou Reed. Il sort juste après Transformer, carton monumental qui compte son seul véritable hit a ce jour, le fameux Walk on the Wild Side. La maison de disque veut donc renouveler le carton et met Bob Erzin qui vient de finir avec brio le magnifique Killer d'Alice Cooper et qui produira par la suite The Wall de Pink Floyd. Oui mais voilà Lou voit trop grand et le double album prévu au déaprt se transforme en simple, sorti a la vite, flingué par les critiques et se retrouve directement dans le bac a solde. L'époque passe donc a côté d'un des plus grands disques de son époque. Peu importe il y a eu réhabilitation et Lou vient d ermeettre le couvert pour l'interpreter en live. L'histoire répare donc ses erreurs.

Alors l'album en lui-même? Bon l'histoire tout le monde la connait. un couple abitant a Berlin Jim & Caroline se déchire. Madame multiplie les partenaires, sombre dans la drogue et l'alcool et finit par se suicider. Oui vous l'avez compris ce disque n'est pas l'oeuvre d'un gai-luron. Le titre éponyme qui ouvre l'album avec son petit piano (joue par Erzin himself) et Lou Reed nous comptant un texte nostalgique met directement dans l'ambiance. Court, il se finit par un Oh honey it was paradise.... Berlin n'est donc pas se genre de disque que l'on écoute assis dans son fauteuil en prenant un air mélancolique pour faire poète. Non Berlin est un disque a ne surtout pas mettre entre les mains d'un depressif profond. Le second titre Lady Day, emmené par son orgue funeste offre la vision d'un Lou Reed seul face à la solitude. Vient ensuite la plus grande chanson social jamais compose par lex-Velvet Men of Good Fortune nous raconte que les jeunes issus des milieux pauvres sont souvent plus apte a reussir que les jeunes des quartier aise qui souvent ne savent rien faire. On fait la première expérience des paroles glaçantes de Lou

The rich son waits for his father to die
the poor just drink and cry
And me, I just don't care at all

Les deux titres suivants Caroline Says I et How do you Think it Feels? avec leur tempo plus rock et enlevé nous offre les deux seuls moment de répit de l'album. Attention, à partir de maintenant et Oh! Jim l'album devient carrément sombre. La face-B de Berlin a de quoi nous faire passer Ian Curtis pour un joyeux drille et j'exagere a peine. Cette chanson où Caroline découvre que Jim le trompe marque le début de sa descente aux enfers. La chanson qui suit, la deuxieme moitie de Caroline Says et son arpege de guitare, sera (ou a etait) la chanson la plus poignante que vous n'avez jamais entendu. La voix chuchote Lou Reed vous emmene planer loin, tres loin de l'endroit ou vous êtes. On a l'impression d'netendre le desespoir absolu du Rock'nRoll Animal dans les oreilles. On plonge ensuite dans le glauque absolu avec The Kids ou Caroline se fait retirer la garde de ses enfants- They said she's not a good mother- et ou on entend sur la fin des cris d'enfants. La légende veut que ce soit ceux d'Erzin qui leur avait fait croire que leur mère ne reviendrait jamais. Lou finit de nous achever avec The Bed qui compte le suicide de Caroline- And this is the place where she cut her wrists- que Lou nous raconte avec le plus détachement en nous racontant les petits détails de cette piece ou elle commet son acte. Puis.....pour terminer Sad Song.K alors là je vois la tête de l'auditeur qui se demande ce qu'il a pu nous inventer de plus glauque encore. Et bien détrompez vous même si on ne va pas sauter au plafond cette dernière est - un peu- moins glauques que les précédentes, même si Lou achève avec un ver à vous glacer le sang Im gonna stop wastin my time /Somebody else would have broken both of her arms.

Au terme de cette quarantaine de minutes de magie (enfin, on se comprend), l'auditeur vient d'assister au meilleur album solo de Lou Reed et a un des meilleurs des années 70 (je ne dit pas LE meilleur sinon y'en a qui vont hurler....). Ce disque est peut-être le plus sombre de l'histoire du rock (Closer a l'air fun a côté!) et non moins le plus beau.

1. Berlin
2. Lady Day
3. Men of Good Fortune
4. Caroline Says
5. How do You Think it Feels?
6. Oh, Jim
7. Caroline Says II
8. The Kids
9. The Bed
10. Sad Song

Sortie 1973
Enregistrement
Genre(s) rock
Durée 49min 26s
Producteur Bob Ezrin
Label RCA

Woodstock Festival

2008-01-21T14:08:00.000+01:00

Il s'en est passé des choses aux USA en 1969: l'homme a marche sur la lune, l'armée est sur le retrait au Vietnam et Nixon devient président. Bon vous allez me dire ca on s'en fout. Et c'est un peu vrai. La seule chose qui nous interessera dans cette année est un truc marquant. Le point d'orgue des Sixties: Le festival de Woodstock. Il constitue le paroxysme de la génération hippie. Musicalement il clot la période la plus riche de l'histoire....

Oragnisé du 15 au 17 août 1969, il est surtout l'idée de deux personne, Artie Kornfeld, jeune vice-président de Capitol Records et Michael Lang, jeune hippie qui a organisé le Miami Pop festival. Les 500 000 dollars nécessaires a l'organisation sont eux apporter par John Roberts et Joel Rosenman après avoir répondu a une petite annonce dans un journal new-yorkais. Le festival ne se tiendra - contrairement a ce que l'on peut penser -pas a Woodstock, ville pourtant réputé libre par a rapport aux arts, mais a Bettel. Cette première ayant refusé que ce rassemblement se passe sur ses terres. Le festival est tout d'abord conçu pour acceuillir quelques 50 000 freaks, tous plus allumé les uns que les autres. Dans le petit monde du Rock, le bruit commence à se répandre qu'un grand festival se prépare du côté de Woodstock. Le bouche a oreille fait progressivement le nombre de participants. Ils seront au final 10 fois plus que le nombre prévu initialement.

Trois jours de paix et de musique. Des centaines d'hectares à parcourir. Promène-toi pendant trois jours sans voir un gratte-ciel ou un feu rouge. Fais voler un cerf-volant. Fais-toi bronzer. Cuisine toi-même tes repas et respire de l'air pur.

C'est ce que proposait la pub pour le festival, il en résulta un climat qu'on peut difficilement qualifié de paisible. Même si aucune violence ne fut rapporté, l'impressionnante collection de drogues et d'alcool en circulation libre dans l'enceinte du festival rendit l'atmosphere pas vraiment bonne enfant. Puis les organisateurs completement depasse par l'ampleur qu'a pris leur paisible festival ne purent aucunement controles les spectateurs. Woodstock ressembla durant ces 4 jours a une gigantesque jungle ou se cotoyèrent tout les hippies de la planète. La pluie qui fera son apparition, malgrès les No Rain clamés par le public, transformera peu à peu le site en un véritable bourbier qui rendra la vision du site encore plus apocalyptique. Cet événement unique est le point culminant de la contre-culture des sixties. Symbole de l'anti-capitaliste (même si les organisateurs ont vendu les bandes aux majors pour couvrir les frais), Woodstock devint totalement gratuits quand Michael Lang découvrit les barrières qui délimitaient le site volés ou détruites. Il déclara From now on, this is a free concert ! suvit d'un tonnerre d'applaudissements soutenu. Les gens sortirent extenués, achevés par les drogues (ahaha!!!) et marqués a jamais par ce rassemblement unique.

Je n'ai ici point parlé de musique a proprment dit, car Woodstock est bien plus qu'un simple festival, il restera comme l'événement marquant de toute une génération pronant le partage des richesses et le retour a la terre. Les quelques 500 000 déglingués s'y étant rendu parlent tous de quelque choses d'imperissable qui restera a jamais gravé dans les mémoires. C'est avant tout la rencontre de jeunes pas comme les autres réuni par la musique que ce festival unique a essayé de réaliser. Woodstock rapelle la détresse d'une génération qui a voulu casser les barrières trop rigide d'une société ne laissant pas la place aux marginaux. Woodstock marque le paroxysme mais aussi la fin d'un mouvement et d'une époque dont on dit traditionellement qu'elle s'acheve l'année suivante avec la fin des Beatles. La fin de cette génération approchant clairement peut-on dire que Woodstock fut organisé comme une forme...d'adieu?

Il faut tout de même un extrait pour illustrer ce festival, le chois fut dur mais j'ai choisit cette version extra-terrestre de Joe Cocker littéralement détruit reprenant With a Little Help from My Friends des Beatles. Un truc a voir au moins une fois dans sa vie....

L'affiche étant tout bonnement hallucinante je me devais de signaler la liste des artistes présent ces jours-ci. Pour une setlist détaille par jour et par artiste, clique ici

Artiste présent a Woodstock

* Joan Baez
* The Band
* Blood, Sweat and Tears
* Canned Heat
* Joe Cocker
* Country Joe McDonald (avec et sans son groupe: The Fish)
* Creedence Clearwater Revival
* Crosby, Stills & Nash
* Grateful Dead
* Arlo Guthrie
* Tim Hardin
* Keef Hartley
* Richie Havens
* Jimi Hendrix
* Incredible String Band
* Jefferson Airplane

* Janis Joplin
* Melanie
* Mountain
* Paul Butterfield Blues Band
* Quill
* Santana
* John Sebastian
* Sha-Na-Na
* Ravi Shankar
* Sly and The Family Stone
* Bert Sommer
* Sweetwater
* Ten Years After
* Johnny Winter
* The Who

- Il existe un film parfois rébarbatif par sa durée (3 heures!) mais exhaustif sur le festival.
- Des compilations et des albums plus au moins officiels
- Voir également cette version du Pnball Wizard des Who:
http://youtube.com/watch?v=lf60_kExwXk

Bref, sinon vous connaissez le chemin vers Youtube ou autre Dailymotion ;)

The Beatles - Abbey Road

2008-01-21T13:28:00.000+01:00

Etrange fait que d'écrire sur un album aussi excellent et aussi important dans l'histoire du rock. Abbey Road, souvent considérés comme LE meilleur album de tout l'histoire de la pop-music est en effet une galette cruciale dans l'histoire du rock.....

Tout d'abord il faut considérer Abbey Road comme le dernier enregistrement studio des Beatles. Let it be qui sortira l'année après a déjà été enregistré quand les Fab Four foulent le sol du studio qui donnera son nom à l'album. Les Beatles y reviennent 7 ans après y avoir fait leur premier pas. On l'a déjà vu, le climat est délétère et les Beatles se sont longtemps interrogés sur le bien-fondé de ce dernier album. Pourtant ils décident (quelque peu) d'enterrer la hache de guerre et de se retrouver pour enregistrer the last big thing , un dernier album colossal afin de laisser une empreinte encore plus grande dans l'histoire de la musique. En effet, Abbey Road ne sera pas le raté que certains spécialistes prédisent. Même si les relations Lennon/Mc Cartney restent très tendu, que Harrisson est relégué au second rang et que Ringo se contentent de jouer, cet album est un concentré de tout ce que les Beatles ont de meilleur à offrir. Abbey Road marque la fin d'une époque et le début d'une autre.....

C'est l'album le plus intime des Beatles, peut-être pas le plus achevé (la face-B comporte plusieurs titres plus ou moins dispensable...), mais le plus beau ça c'est sur. Il est tout d'abord déroutant, chaque membre des Beatles voulant y laisser une trace, un souvenir indélébile dans l'oreille de l'auditeur. Harrisson se surpasse et signe une de ces plus belles compositions avec Something et même Ringo se fend d'une compo avec son splendide Octopus's Garden. Abbey Road peut être comparé au Exile des Stones car il possède comme lui cette faculté a avoir tout ces morceaux liés, enchainés les uns aux autres. Mais l'heure n'est pas à la fête, et une composition comme le magnifique Because est là pour nous le rapeller Love is New, Love is all est murmuré tout au long de la chanson. Une certaine simplicité se dégage des compos de Abbey Road (You never give me your money) qui les rend plus brutes, plus belles encore.

Les Beatles sentent la fin d'une aventure, Lennon quitte le groupe a la suite d'une ultime réunion pour completer I want You (she's so heavy), bien que la séparation officielle du groupe ne soit proclamée qu'en Avril 1970. Ainsi baptisent t-ils leur dernière chanson The End, comme un symbole. Les Beatles s'achèvent donc sur cet album. Intemporel et magnifique. On aurait aimé voir l'histoire continuer. Paul, John, George & Ringo, merci pour tout, merci encore. Ainsi s'achève les sixties....

1. Come Together
2. Something
3. Maxwell's Silver Hammer
4. Oh! Darling
5. Octopus's Garden
6. I Want You (she's So Heavy)
7. Here Comes The Sun
8. Because
9. You Never Give Me Your Money
10. Sun King
11. Mean Mr Mustard
12. Polythene Pam
13. She Came In Through The Bathroom Window
14. Golden Slumbers
15. Carry That Weight
16. The End
17. Her Majesty

Sortie 26 septembre 1969
Enregistrement Grande-Bretagne
Genre(s) Rock
Durée 47:35
Producteur(s) George Martin
Label Apple Records
Parlophone

Radiohead - In Rainbows

2008-01-21T13:27:00.001+01:00

2003: Radiohead présente Hail to the Thief, son nouveau joujou. Le monde entier les attends au tournant après la double claque reçue par Ok Computer et le diptyque Kid A / Amnesiac. HTTT offre une compilation de tout ce que les anglais ont de meilleurs à offrir. Ils maitrisent parfaitement leur art. Pourtant malgré le calibre exceptionnel des compostions (2+2=5, Backdrifts, Sail to the Moon), les mauvaises langues disent que Radiohead ne réalisent pas d'avancée fondamentale, n'engagent pas à virage à 360° Qu'importe, l'album une fois digéré et joué en live, est un succès. HTTT sonne encore une fois comme un classique. Les détracteurs se rangent et attendent, cachés dans un virage la nouvelle production du groupe d'Oxford....

Mais Radiohead n'est pas un groupe comme les autres. Radiohead se mérite, se fait désirer par la planète rock. Laissant longtemps planer la rumeur d'une séparation, le groupe ne laisse rien filtrer. Thom va même pousser l'allégresse jusqu'à s'autoriser un pause, un album solo. The Eraser, empli de sons électroniques tels qu'on les a découvert sur Kid A, qui au lieu d'annoncer la mort du groupe sonne le rassemblement des troupes. Yorke ne veut pas sortir cet album, du moins pas sous une forme classique, il voudrai le distribuer lui-même. Un artwork cynique et pessimiste signé Stanley Donwood le tout dans une pochette en carton suffiront au chanteur. Puis Radiohead se remet à tourner, pour rompre la monotonie, sans aucun nouvel album dans les bacs. Le successeur de HTTT approche. Mais le quintette est plus malin que ça. A l'été 2007, le groupe rompt son contrat avec sa maison de disque. Alors que le disque est annoncé comme terminé par le fidèle Nigel Goodrich, mais sans label, Radiohead laisse planer un doute sur sa date de sortie. Puis finalement plutôt que de retrouver un label, même indépendant le groupe décide de commercialiser lui-même son disque à l'automne. Douche froide, Radiohead prend tout le monde de court. Thom Yorke et sa bande doivent encore être en train de rigoler de leur coup. Mieux encore; l'album sera vendu en téléchargement légal à un prix laissé à la libre appréciation du consommateur. On pourra discuter longtemps sur la sincérité de cet acte que le groupe annonce comme pas du tout prémédité. Mais Thom Yorke, Ed'Obrien, les frères Greenwood et Phil Selway se fichent bien de tout cela et ne nous font pas oublier l'essentiel, Radiohead est avant tout un groupe de musique qui produit des notes (si, si je vous assure!)

In Rainbows, Radiohead, dès la première écoute, les premières secondes du martèlement de la batterie de Selway, les premières paroles de Thom on est heureux. Heureux de retrouver la bande à Oxford sur un disque, et quel disque!!
L'album s'ouvre donc sur 15 Steps, sa batterie et son rythme a 5 temps qui prouve que Radiohead n'a rien perdu de son génie et de son avance. La guitare se fait discrète mais est belle et bien là, remplissant le titre d'une mélancolie bien familière. Puis vient Bodysnatchers, surement le titre le plus électronique de l'album, le plus bordélique aussi, rappelant Paranoid Android dans sa structure complexe, labyrinthique. Kid A rode dans les environs. Après cette entrée en matière plutôt rentre-dedans, Radiohead nous ressert le coup de LA grande chanson, lente, mélodique et déprimante, à la manière de ses monuments que sont Exit Music (for a Film), Pyramid Song ou No Surprises. Ce sera donc Nude. Les paroles de Yorke sont toujours aussi noire, aussi réaliste pourtant Don't get any big ideas/They're not gonna happen lance t(il dès le début de la chanson. Le quintette retrouve là ce calme somptueux qui a fait son succès. Des airs de classique, achevées par cette vision désabusé de la fin de la vie de Thom Yorke You'll go to Hell/For what your dirty mind is thinking . La chanson suivante au titre aussi absurde que l'esprit de Thom Yorke, Weird Fish/ Arpeggi continue dans cette voie. Le chant de Yorke enveloppé d'une douceur incomparable, nous fait voyager loin très loin de notre siège. La volupté du son rend l'ensemble grandiose. A travers son songwritting, Thom Yorke nous apparait plus fragile encore que 4 ans auparavant, encore plus démuni face à un monde qui l'effraie de plus en plus. Le récital continue avec Reckoner, sa rythmique entrainante enveloppée par la voix de Yorke. On penche plus sur Ok Computer que sur Kid A/ Amnesiac, un retour aux sources que beaucoup apprécieront, sans pour autant en revenir aux débuts pop de Pablo Honey et The Bends. Bien sur, un ou deux morceaux plus banals, moins indispensables se balade ici et là dans l'album (House of Cards, All I Need) preuve que Radiohead est avant tout un groupe composé d'êtres humains. Puis, le groupe achève de nous mettre K-O. Videotape, le groupe revient à des choses plus simple (et non pas simplistes), un piano répétant en boucle les trois mêmes notes. La voix de Yorke est laissée à nue. Le songwritting atteint ici son paroxysme, le meilleur niveau que le frontman n'est jamais atteint. Mais on touche là au moment critique du disque, qui a glacé le sang de nombreux fans du groupe. Yorke nous laisse un couplet à interpréter comme on le souhaite, comme un adieu?

This is my way of saying goodbye
Because I can't do it face to face
I'm talking to you
After it's too late

Radiohead nous offre ici un nouveau chef d'œuvre, un nouveau classique. Le quintette d'Oxford, a une nouvelle fois gagné la partie, les détracteurs se font de plus en plus rares, isolés. Les anglais confortent leur position de groupe le plus influent de la planète acquis depuis le milieu des années 90. Puis Yorke achève:

Because I know today has been
The most perfect day i've ever seen

Nous aussi. Merci pour ce merveilleux voyage Thom.

1. "15 Step" – 3:57
2. "Bodysnatchers" – 4:02
3. "Nude" – 4:15
4. "Weird Fishes/Arpeggi" – 5:18
5. "All I Need" – 3:48
6. "Faust Arp" – 2:09
7. "Reckoner" – 4:50
8. "House of Cards" – 5:28
9. "Jigsaw Falling Into Place" aka "Open Pick" – 4:09
10. "Videotape" – 4:39

Sortie 10 octobre 2007 (téléchargement)
31 décembre 2007 (CD)
1 janvier 2008 (CD) (US)
Enregistrement septembre 2005 – juin 2007
Genre(s) Rock alternatif, art rock, electronica
Durée 42:34
Producteur(s) Nigel Godrich, Mark "Spike" Stent & Radiohead
Label XL Recordings
TBD Records (US)

In the Beginning

2008-01-21T12:48:00.000+01:00

Et voilà donc un nouveau blog. Nouveau? Pas tant que ça. Une partie des articles présents dans ces pages proviennent de mon ancien blog. Pourquoi en recommencer un autre si c'est pour mettre les mêmes articles vous allez me dire? A vrai dire surtout pour un changement de plate-forme. Je me barre donc du conformisme de Skyblog pour atterrir sur cette plate-forme aux eaux plus claires et mieux foutus.

Bon je me présente, Adrien, Thestrokesfan généralement sur le net. J'avais donc déjà un blog qui commençait à se remplir doucement. Je vous rassure ici la formule ne change presque pas, c'est toujours moi qui décide, et je fais régner une dictature sans partage sur ces pages. De la musique, du wock'n'woll en grande majorité, sous forme de chroniques écrites par mes soins, de vidéos, d'extrait le tout sans aucune prétention. A travers ce blog vous voyagerai donc des années 60 à nos jours, du Velvet à Radiohead, en passant par le Floyd, le Clash, les Stones, les Fab' Four et toutes les périodes, du psychédelisme au rock indé sans ou oublier le prog', le punk et la new wave.

Enjoy!